1 40 principales del arte. Trabajo realizado por:Cristina García De la Rosa. Didáctica de la creación plástica y visual en educación primaria. Turno 5.

2 Pintura... …20 pintores

3 1. Duccio di Buoninsegna (1255-1319)El pintor mas famoso de la escuela de Siena. Se conoce muy poco de su vida, aunque se sabe que fue multado varias veces por delitos menores. Aunque siguió en gran manera la tradición bizantina, introdujo un nuevo sentimiento de calor humano, elemento que le eleva en la pintura sienesa. Duccio recrea historias bíblicas con gran viveza, y supo hacer, como nadie antes que él, de los escenarios de sus obras un elemento dramático constitutivo de la acción, de forma que las figuras se hallan íntimamente relacionadas con el entorno. Ejerció un enorme influjo en Siena (Simone Martín fue su mejor discípulo), influencia que se extendió hasta Francia, notándose especialmente en la obra de Pucelle.

4 Sus obras… …Duccio di BuoninsegnaLa Madonna Rucellai. Actualmente se encuentra en la Galería de los Uffizi, Florencia. Se trata de una obra pintada en el año 1285 al temple sobre tabla. Es el cuadro que pintó a Santa Maria Novella, de Florencia.

5 Sus obras… …Duccio di BuoninsegnaLa Maestá de la catedral de Siena, encargada en 1308 y terminada en Actualmente, la mayor parte de este elaborado retablo de dos caras se halla en el museo de la catedral, salvo algunas tablas de la predela que están dispersas fuera de Italia. El ansverso está constituido por una sola tabla representando la Virgen y el Niño en majestad, rodeados por ángeles y santos, y en el reverso de la misma tabla hay veintiséis escenas de la pasión de Cristo. Originalmente había escenas complementarias de la vida de Cristo encima y debajo de la tabla principal. Todo el conjunto es una soberbia muestra de dominio técnico, en la que el exquisito colorido y la flexibilidad del dibujo crean unos efectos de gran belleza.

6 Sus obras… …Duccio di Buoninsegna La adoración de los magos.Se trata de una obra pintada al temple sobre tabla entre los años 1308 y 1311, que actualmente se encuentra en la Opera del Duomo, Siena.

7 2. Botticelli- Alessandro Filipepi (1445-1510)Pintor florentino, uno de los más destacados del renacimiento florentino. Desarrolló un estilo personalísimo, caracterizado por la elegancia de su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas. Fue discípulo de Fra Filippo Lippi, que ejerció la influencia más importante sobre su estilo. Dedicó casi toda su vida a trabajar para las grandes familias florentinas, especialmente los Medicci, y, como integrante de la corte de Lorenzo de Medicci, recibió la influencia del neoplatonismo cristiano, que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas. Esta síntesis se expresa en La Primavera. En 1481 fue uno de los artistas llamados a Roma para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, donde pintó los frescos Moisés y las hijas del Jetro, El castigo de Coré y La tentación de Cristo. En la década de 1490 sufrió una crisis religiosa, aunque no abandonó la ciudad, donde moriría el 17 de mayo de Sus obras posteriores, como la Pietà, expresan una intensa devoción religiosa y un retroceso en el desarrollo de su estilo.

8 Sus obras… …BotticelliAlegoría de la Primavera. Obra pintada en 1478, que se encuentra en Uffizi, Florencia y cuyas medidas son 203x314 cm. Pintada al temple sobre tabla. En esta obra se puede ver a la derecha a Flora que, seguida por el Céfiro y poseída por él, esparce flores por el mundo. En el centro, Venus representa la humanidad y, para otros, el símbolo del amor material, o reina del amor y de la fiesta misma. Más a la izquierda, aparecen las tres Gracias danzando, asidas de la mano, representando la libertad. A la derecha se encuentra Mercurio, que disipa las nubes. Otros autores interpretan a Venus como la Humanitas misma, que separa los sentidos y los amores materiales, a la derecha, de los valores espirituales, a la izquierda.

9 Sus obras… …Botticelli El nacimiento de Venus. Obra pintada en 1486, que se encuentra en Uffizi, Florencia y cuyas medidas son 172.5x278.5 cm. Pintada al temple sobre tela. Representa el nacimiento de Humanitas, engendrada por la Naturaleza con sus cuatro elementos y de la unión del espíritu con la materia. Otros autores vieron la llegada de Venus, impedida por el Céfiro y Cloris, a la izquierda, a Sicilia. Otros también describen a la Hora en el momento de ir a tenderle un manto a Venus.

10 Sus obras… …BotticelliRegreso de Judith a Betulla. Obra pintada en 1472, que se encuentra en Uffizi, Florencia, cuyas medidas son 31x24cm. Esta pintada al temple sobre tabla ovalada. Es, probablemente la mitad de un díptico, formado por esta obra y El descubrimiento del cadáver de Holofernes.

11 3.El Bosco – Hieronymus Bosch (1450-15516)Pintor flamenco en activo durante 1450 y Es uno de los pintores mas estimulantes y enigmáticos de su tiempo. Nació en S´Hertrogenbosh (Bosqueducal) en Brabante septentrional (actual Holanda) y residió allí durante toda su vida. Desarrolló un estilo propio independiente de los de sus contemporáneos. Su oposición a la iglesia católica le hacía contrario a las imágenes dogmáticas e iconografías cristianas al uso. Sus criaturas eran fantásticas y sobrenaturales, y su estilo arcaico. Sus imágenes se nutren en lo monstruoso y en lo metafórico de la naturaleza animal y de las fantasías de lo demoníaco. Sus figuras y paisajes eran dinámicas y siempre cambiantes. Más allá de las fantasías y de las extravagancias, fue un observador profundo y meticuloso de su entorno.

12 Sus obras… …El Bosco Tríptico de las delicias. Pintado entre 1503 y 1504 al óleo sobre tabla. Esta obra se encuentra actualmente en el museo del Prado, Madrid. Se trata de un conjunto de tres pinturas, cuyas medidas con 220x97 cm., 220x195 cm. y 220x97 cm. El tema de esta pintura es la creación del mundo. Se puede observar en el tríptico la creación de Eva y el pecado carnal, el árbol de la vida y la serpiente. La unión de ambos sexos, desnudos, que se abandonan a las dulzuras carnales, la fuente de la juventud y las mujeres bañándose en ella, representando la lujuria, la incredulidad, la vanidad y los goces pasados; la fuente del adulterio y las colinas habitadas por amantes, pecados todos de los humanos. Por último, muestra el castigo de estos pecados carnales y otras culpas, donde podemos ver al Satanás, que devora a los condenados, entre otras representaciones simbólicas.

13 …El Bosco Sus obras… El hijo pródigo. Se encuentra en Rótterdam, Museum Boymansvan Beuningen, mide 71x70.6 cm., y está pintado al óleo sobre tabla en el año 1510. Tanta riqueza de matices iconológicos indica una superación de las formas ondulantes de la madurez, puntualización de valores formales y pictóricos, donde la elaboración tonal del color, reducido a las gamas mínimas de grises y ocres, resuelve en apagada armonía los andrajos de la miseria material y moral para hacer de ellos un dato natural, un elemento del ilimitado paisaje holandés de colinas desnudas y dunas arenosas.

14 …El Bosco Sus obras… La nave de los locos. Se encuentra en París, en el Louvre, mide 57.8x32.5 cm. y está pintado al óleo sobre tabla entre los años 1490 a 1500. El tema es una sátira sobre la corrupción de la sociedad y del clero, no sin engranajes con el folklore y la literatura de la época. Son protagonistas una monja y un fraile franciscano; sobre un árbol, un loco bebe de una taza; debajo, vomita un convidado: símbolo de la disgregación del ser. El festín, con las cerezas, el pastel al que todos quieren hincar el diente, el pez que cuelga fuera de la borda, burlesco emblema de cuaresma, parece bastante mísero: existe solo en el desesperado deseo de los locos vividores. Único elemento de carne el pollo atado al mástil, que va a ser robado por un ladrón que sale de un arbusto de la orilla. Aparece también sobre el mástil, convertido en árbol de cucaña, la bandera con el símbolo de los lunáticos.

15 4. Leonardo Da Vinci ( ) Nacido en Anchiano (Vinci), mas que cualquier otra personalidad del Renacimiento, Leonardo encarnó el ideal humanístico de persona cultivada en todas las disciplinas. Este hijo de una sirvienta, nacido fuera del matrimonio, se convirtió en uno de los artistas más influyentes de todos los tiempos. Sólo se conocen 17 pinturas acabadas que sean suyas con total seguridad; sin embargo, inventó soluciones para todo tipo de problemas artísticos, y generaciones de artistas posteriores se han beneficiado de estas innovaciones. Sus composiciones producen un extraordinario efecto de vivacidad, y son armónicas y fluidas. Son típicas de Leonardo las delicadas modulaciones de luz y sombra, sobre todo en los rostros y los paisajes de fondo. Sus figuras expresan sentimientos sutilmente diferenciados y aspiran a encarnar la belleza ideal. El poder de innovación de Leonardo no se limitaba a la pintura. Sentía una enorme curiosidad por descubrir cómo funcionaban las cosas, lo que le llevó a estudiar medicina, óptica, anatomía, geología, cartografía y biología. Dejó bocetos y cuadernos con miles de atestadas páginas que demuestran su profundo conocimiento de los fenómenos naturales y hacen de él el fundador de las ilustraciones científicas. Para Leonardo, el arte era una ciencia que requería una extrema atención al detalle y que estaba reflejada por entero en el cosmos. Murió en el castillo de Cloux, en el Loira, en el año 1519.

16 …Leonardo Sus obras… La dama del armiño (“Cecilia Gallerani”), pintada en el año se trata de una pintura al óleo sobre tabla, de unas medidas de 55x40 cm, que actualmente se encuentra en el Muzeum Czartoryski, Cracovia. El retrato parece muy vívido no solo por la extrema sutileza de los detalles, sino también por la postura de la hermosa joven, que rebosa espontaneidad. Mientras gira a la izquierda, vuelve la cabeza hacia la derecha como si algo hubiera llamado su atención en esa dirección. De este modo, Leonardo evita la rigidez de la vista frontal o de perfil, tan habitual en los retratos de la época. El armiño está representado de forma muy naturalista; parece incluso más real en la parte en que ella lo toca con la mano.

17 …Leonardo Sus obras… La Última Cena, Se trata de un fresco al secco, de 422x904 cm, que actualmente se encuentra en el refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie, Milán. Los 12 discípulos se han reunido alrededor de Cristo pare celebrar la última comida de Pascua. Leonardo representa el momento de máxima tensión emocional, cuando Cristo dice: “Uno de vosotros me traicionará”. La dramática agitación de los apóstoles se transmite como una ola por toda la mesa. A la izquierda de Cristo, Judas, el traidor, se retira atemorizado. Cristo permanece firme en el centro y extiende las manos hacia el pan y el vino en referencia a la Eucaristía. Leonardo combina varias reacciones individuales, gestos y temperamentos. La perspectiva central, que se utiliza para representar la habitación, enfoca la atención del espectador hacia la figura de Cristo. Nunca antes se había presentado la Última Cena de un modo tan dramático. Leonardo pintó con temple y óleo sobre el muro seco, una técnica experimental que ha impedido una buena conservación de la obra. A pesar de los muchos intentos de restauración, sólo han quedado restos de la pintura original. La composición ha inspirado a infinidad de artistas, desde Rembrandt a Warhol.

18 …Leonardo Sus obras… Mona Lisa (“La Gioconda”), Se trata de una pintura al óleo sobre tabla, de unas medidas de 77x53 cm. Actualmente, se encuentra en el Museo del Louvre, París. El aspecto realista de la Mona Lisa está basado en un uso minucioso de la geometría. El torso está algo girado a laizquierda, mientras que los ojos miran de frente al espectador, lo que da vida a la composición. La Mona Lisa es el retrato más famoso y, al mismo tiempo, más misterioso del mundo, ni siquiera se sabe si representa realmente a Lisa Gherardini, esposa del florentino Francesco del Giocondo. La especial magia del cuadro se debe quizás al uso del estilo llamado sfumato, que se caracteriza por la imprecisión de los contornos, sobre todo, en los rasgos faciales, pero también en los paisajes. De este modo, Leonardo se aleja de la extrema nitidez y precisión, así como de la rigidez característica de los retratos realizados hasta entonces. Los tonos se mezclan entre sí, el paisaje se funde con la figura humana, y el cosmos con lo humano: todo se hace uno.

19 5. El greco ( ) Pintor greco-español, nacido en la isla de Creta en el año 1541 y fallecido en Toledo en el año poseía una instintiva inobservancia de las reglas de la perspectiva y de la estructura plástica renacentista, a favor de los valores de la expresión lírica y trascendental. Estudió con Tizziano y asimiló expresiones artísticas muy heterogéneas: las composiciones arquitectónicas y el color suntuoso de Tizziano, el realismo y el interés por la vida cotidiana de Jacobo Bassano y , de modo particular, las masas desmaterializadas y la frenética vitalidad, siempre contenida dentro de una forma geométrica, de Tintoretto. En 1570 se trasladó a Roma y volvió a Venecia en Entre 1575 y 1576 se estableció en España, en Toledo, conocido centro de la Contrarreforma católica. Aquí desarrolló un estilo estrictamente personal. El estilo de El Greco se caracteriza por la sinuosidad de sus formas, al mismo tiempo escultóricas e impalpables (figuras con cuerpos estilizados y alargadísimos, y cabezas pequeñas y ovoides) y por un claroscuro distribuido irracionalmente, según un movimiento vertical discontinuo pero insistente. Distrae la atención de los centros focales, distribuidos en esquemas intrincados y geométricos, por medio de luces violentas y mutables, en un clima de exasperación dimensional del espacio.

20 …El Greco Sus obras… La trinidad. Se encuentra en Madrid, en el museo del Prado, y está pintado en óleo sobre tela con unas medidas de 300x178 cm, entre los años 1577 a 1579. La composición es muy original y presenta forma de corazón, dentro de la cual se desarrolla toda la acción del cuadro y de la que sólo queda fuera la paloma representante del Espíritu Santo. El centro del cuadro está dominado por el monumental cuerpo de Cristo, representado según las proporciones tradicionales y alejado de la estilización de las figuras que dominan en obras posteriores de El Greco. Sin embargo, es evidente el espíritu innovador manierista, reflejado en la serpenteante línea formada por la posición del cuerpo de Cristo y Dios Padre, así como por las irreverentes y exageradas reacciones de los ángeles.

21 …El Greco Sus obras… El entierro del conde de Orgaz. Se encuentra en Toledo, en la Iglesia del Santo Tomé. Es una pintura al óleo sobre tela que mide 460x360 cm., y que fue pintada entre los años 1586 y 1588. El cuadro representa las dos dimensiones de la existencia humana: abajo la muerte, arriba el cielo, la vida eterna. El Greco se lució plasmando en el cuadro lo que constituye el horizonte cristiano de la vida ante la muerte, iluminado por Jesucristo. En la parte inferior, el centro lo ocupa el cadáver del señor, y los santos del cielo: el obispo san Agustín, uno de los grandes padres de la Iglesia, y el diácono san Esteban, primer mártir de Cristo. El cuerpo humano ya no es la cárcel del alma, sino la materia animada por el espíritu, la materia que será definitivamente transformada en la resurrección. Aparecen dos personajes principales: el Greco, que nos mira de frente, invitándonos a entrar en el misterio admirable que contemplan nuestros ojos y su hijo, señalando con su dedo al personaje central.

22 …El Greco Sus obras… La idealizada figura de Jesucristo destaca vigorosamente del resto y parece ajena al gentío violento que lo rodea. Una figura en la parte trasera con un sombrero rojo apunta acusadoramente a Cristo, mientras otros dos discuten sobre sus vestiduras. Otro hombre vestido de verde a la izquierda de Cristo lo sujeta con una cuerda y va a proceder a desnudarlo para su crucifixión. Mientras otro vestido de amarillo en la parte inferior derecha se inclina hacia la cruz y perfora un agujero para facilitar la inserción de un clavo que atravesará los pies de Cristo. El rostro melancólico del Salvador queda violentamente yuxtapuesto a las figuras de sus ejecutores, que se amontonan en torno a él, creando una impresión de desorden con sus movimientos, gestos, picas y lanzas. En la parte inferior izquierda aparecen las tres Marías contemplando la escena con angustia. El expolio. Pintura al óleo sobre tela que mide 285x173 cm y se encuentra en la Catedral de Toledo, pintada sobre los años 1577 y 1579.

23 6. Diego Rguez de Silva y Velázquez (1599-1660)Nacido en Sevilla en 1599 y fallecido en Madrid en 1660, Velázquez es el principal pintor español y uno de los artistas mas famosos de todos los tiempos. Destaca por el uso de las diagonales transversales, que le caracteriza. Fue pintor de Felipe IV, y pinto retratos ecuestres de la familia real. Su colocación en el paisaje demuestra que también domina esta técnica. Pintó relativamente pocos temas religiosos, pero manifestó su espíritu cristiano con un inmenso respeto por el individuo. Su influencia sobre las generaciones posteriores fue enorme. Realmente universal, destacó en muchos campos, desde la pintura de género a la mitología, de los paisajes a los temas religiosos. Su forma de plasmar la luz, la atmósfera y el espacio fue revolucionaria. En su madurez, no se dejó llevar por su habilidad pictórica y mantuvo un perfecto equilibrio de técnica y caracterización. La medida de la grandeza de Velázquez radica en que, a primera vista, sus obras parecen simples, pero ofrecen aspectos nuevos cada vez que se las contempla.

24 …Velázquez Sus obras… El triunfo de Baco (Los Borrachos). Es una obra pintada al óleo sobre tela, cuyas medidas son 165x225 cm. Es del año 1628 y actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. Los contornos aparecen muy nítidos y los personajes viven por sí mismos, como estatuas, en un esquema compositivo perfectamente centralizado.

25 …Velázquez Sus obras… Las Hilanderas, año Se trata de una pintura al óleo sobre tela, de unas medidas de 220x289 cm. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. Se observa que algunas soluciones de orden técnico anticipan el impresionismo, el puntillismo y otros aspectos pictóricos enlazados con los descubrimientos ópticos que determinan la liquidación de la “línea cerrada”. La rueda, a la izquierda, representada sin radios, constituiría una anticipación a las expresiones “dinámicas”.

26 …Velázquez Sus obras… Las meninas, su última obra y la mas famosa. Se trata de una pintura al óleo sobre tela, cuyas medidas son 318x276 cm., pintada en el año Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. La fusión entre espacio real y espacio pictórico alcanza su máxima expresión en esta obra. La escena representa al artista retratando a los reyes, que aparecen reflejados en un espejo, observado por la infanta Margarita y su séquito. La implicación barroca del observador se lleva al más alto grado de sofisticación, como si nosotros nos encontrásemos en el mismo lugar que ocupa la pareja real. En esta obra se observa el uso de diagonales trasversales, sutiles armonías de rosa y gris, pinceladas resplandecientes y mágicas reproducciones del espacio atmosférico. La realidad se transforma en un mundo puramente pictórico.

27 7. Fco José de Goya y Lucientes (1746-1828)Nacido en Fuendetodos, Zaragoza, el 30 de marzo de 1746, y fallecido en Burdeos, Francia, el 15 de abril de 1828, fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Además, su obra refleja el periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

28 …Goya Sus obras… La maja desnuda. Se trata de una pintura realizada al óleo sobre lienzo, cuyas medidas son 95x188 cm. Fue pintada en el año 1795 y actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. En el diseño de este cuadro el dibujo es decisivo, por ese motivo y por el predominio de una gama cromática fría se nota la influen- cia del neoclasicismo. Sin embargo, esta obra de Goya es audaz y atrevida para su época, como audaz es la expresión del rostro y acti- tud corporal de la modelo. Más aún, es la primera obra de arte conocida en la cual aparece pintado el vello púbico femenino, lo cual resalta el erotismo de la composición. Cabe destacar la particular luminosidad que Goya da al cuerpo de la desnuda, luminosidad que contrasta con el resto del ambiente, y la típica expresividad que Goya sabe dar a los ojos. Es notable que, aún dentro de la típica fuerza de las pinceladas que caracterizan a Goya, el artista se ha esmerado en el tratamiento de las carnaduras y sombreados acompañadas por la figuración sutil de las telas, la coloración se hace con un minucioso juego de verdes que contrasta con blancos y rosados, de este modo la maja casi parece suspendida mediante su brillo y delicadeza, suspendida en un espacio oscuro que ella ilumina.

29 …Goya Sus obras… Los fusilamientos del tres de mayo. La pintura está realizada sobre un lienzo utilizando la técnica del óleo, tiene unas medidas 268x347 cm, y fue pintada en el año Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. Goya utiliza en este cuadro una paleta principalmente oscura, donde predominan la gama de los negros, color de la muerte por excelencia, con importantes mezclas de colores relacionados con la gama del verde. La otra gran familia cromática la forman los ocres y marrones. Sin olvidar el blanco de la camisa del hombre con los brazos abiertos que supone un gran contraste con el resto de la paleta, en su mayoría oscuros. Podríamos decir de esta composición que sigue un "crescendo" cromático que va desde el blanco de la camisa del civil, hasta el negro de algunas vestimentas de los soldados.

30 Sus obras… …Goya La familia de Carlos IV. Se trata de una obra pintada en el año 1801 al óleo sobre lienzo, cuyas medidas son 280x336 cm. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. En él aparecen ordenadamente todos los miembros de la familia real con intención de realzar la figura de la reina María Luisa, que ocupa el centro de la escena pasando un brazo maternalmente sobre los hombros de la infanta María Isabel, a la vez que lleva de la mano al infante don Francisco de Paula, quien a su vez se la da al rey. A la izquierda de la infanta se sitúan el príncipe de Asturias, el futuro rey Fernando VII, sujetado por la espalda por el infante don Carlos. A la derecha, la infanta María Luisa con su marido el duque de Parma lleva en brazos al pequeño infante Carlos Luis. Ocupando el fondo están los hermanos del rey y, con el príncipe de Asturias, una joven elegantemente vestida pero sin rostro, recurso empleado por Goya para representar a la que finalmente resultase ser su aún no elegida esposa.

31 8. Francisco de Zurbarán (1598-1664)Nacido en fuente de Cantos, Extremadura, en 1598 y fallecido en Madrid en 1664, es uno de los principales pintores españoles del Barroco. Es conocido por sus cuadros de monjes y por otras obras austeras de carácter religioso que funden el realismo con un profundo sentimiento religioso. En Sevilla estuvo al frente de un gran taller. Pintaba grandiosos retablos, totalmente barrocos, realizados con vigor y virilidad. Sus composiciones verticales están divididas generalmente en dos zonas netamente diferenciadas, la celestial y la terrena. A veces las figuras son rígidas y la perspectiva irregular, pero los colores son siempre luminosos; contienen un poderoso naturalismo y sentimiento místico. Se ven influencias de Velázquez, Tizziano y Rubens en sus obras, además de Murillo (sus obras se volvieron más sentimentales y delicadas. En sus últimas obras sus temas se tornaron más meditativos y líricos.

32 Sus obras… …Zurbarán Cristo crucificado, año Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, de unas medidas de 290x168 cm. Actualmente se encuentra en Chicago, Art Institute. Esta obra le hizo famoso: es bastante oscura y posee una monumental y conmovedora expresividad. Se ve un esmerado realismo de la representación (la fractura de los clavos, la aspereza de la madera, la irregularidad de la cartela), además de una influencia de Pacheco en la solución de los pies yuxtapuestos en vez de cruzados.

33 Sus obras… …Zurbarán Cristo niño contemplando la corona de espinas, Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo de unas medidas de 128x85 cm. Se encuentra en la Colección Sánchez Ramos, Sevilla. Se trata de una obra modesta, un humilde cuadro de devoción.

34 Sus obras… …Zurbarán Plato de cidras, cesto de naranjas, taza y rosa, Actualmente se encuentra en Los Ángeles, Norton Simon Foundation. Es una pintura al óleo sobre lienzo cuyas medidas son 60x107 cm. Es el único bodegón firmado, con extrema simplicidad compositiva y lumínica, en el que los objetos aparecen dispuestos como ofrendas en un altar.

35 9. Édouard Manet ( ) Nacido en París, es costumbre colocar a Manet en el origen de la historia del arte contemporáneo. Pintaba escenas cotidianas, y fue el primero en concentrarse en la visibilidad material de la pintura. Para desafiar el método tradicional de pintura, revelaba la mecánica misma de pintar, en un acto deliberado de provocación. Fue una figura revolucionaria que tendió un puente entre dos movimientos: el realismo y el impresionismo. Aunque fue admirado por los impresionistas y apoyó su estilo, nunca se consideró uno de ellos, de los que difería en que nunca adoptó la práctica de pintar al aire libre, nunca abandonó su gusto por compaginar el blanco y el negro, y siempre mantuvo el contorno marcado de las formas y las figuras en sus composiciones. Además, nunca renunció al enfoque en un tema para el cuadro. Fue en todo momento una figura controvertida en la escena del arte, y anticipó el impresionismo con su uso de pinceladas libres y visibles, colores saturados, perspectiva plana y la ausencia de lo que podía considerarse escena tradicional a favor de estampas fugaces de la vida cotidiana: acontecimientos relevantes, instantáneas de la vida nocturna parisina, imágenes de habitantes de ciudades al aire libre, retratos y bodegones. Su arte se consideró a menudo escandaloso por su contenido.

36 …Manet Sus obras… Bar del Folies-Bergeré, pintado en 1882 al óleo sobre lienzo. Mide 96x130 cm y actualmente se encuentra en el Courtauld Institute of Art, Londres. Este cuadro fue la última obra importante del artista antes de su muerte. Representa una escena en el club nocturno parisino del Folies-Bergeré y es una reinterpretación moderna de Las meninas de Velázquez, que explora la reproducción de lo que se refleja en un espejo y la duplicación. La imagen es ante todo un retrato de la camarera, que mira al espectador desde detrás de la barra. El espejo refleja a los asistentes al club.

37 …Manet Sus obras… Olimpia, Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo que mide 130,5x190 cm, y actualmente se encuentra en el Museo d´Orsay, París. Es uno de los cuadros más influyentes de la historia del arte contemporáneo. Se inspira en las tradicionales representaciones renacentistas de Venus, en concreto La Venus de Urbino de Tiziano. En lugar de a una diosa, Manet representa a una cortesana, serena y seductora, con una flor en el pelo, una cinta negra en el cuello y acostada sobre un chal ornamental. El gato negro que se halla a sus pies resalta el sentido de feminidad.

38 …Manet Sus obras… Almuerzo sobre la hierba, Pintada al óleo sobre lienzo, mide 208x265,5 cm y se encuentra en el Museo d´Orsay, París. La obre se titulaba en un principio El baño, y provocó un gran escándalo cuando se expuso por primera vez en público. En este magnífico cuadro, Manet reinventó el género tradicional de la escena pastoral mitológica,con su representación de ninfas en un entorno natual. Para el público del siglo XIX fue un escándalo esta combinación del desnudo realista de una mujer y de hombres elegantemente vestidos. La mujer del primer plano mira al espectador tranquila y directamente, ajena a su desnudez. Esta escena resulta tanto más provocativa cuando los hombres, que conversan entre sí, ven con naturalidad el hecho de que la mujer esté desnuda.

39 10. Paul Cézanne ( ) Nació en Aix-en-Provence en el año Recibió una esmerada educación en el colegio de Bourbon y más tarde, asiste a la Académie Suisse para ejercitarse en el dibujo. Además de la fascinación por Manet, sus gustos se inclinan por la pintura amplia y poderosa y por los grandes maestros del Louvre. Valora el temperamento expresivo como principal valor artístico, y sus cuadros, de gruesos empastes y con uso generoso de la espátula se cuentan como los más singulares que por entonces se pintan en París. Se ejercita en la pintura al aire libre, su repertorio favorito, junto con las naturalezas muertas, durante toda su carrera. En 1872 se instala en Auvers-sur-Oise, cerca de Pontoise, donde pinta en compañía de Pizarro. Ya desde entonces apunta la tendencia a traducir el volumen y la forma a partir de la pincelada fragmentada de los impresionistas que determina la singularidad de su estilo. El problema de la forma, el espacio y la estructura del cuadro va ganando terreno. Cada vez pasa mas tiempo en Aix y hace menos vida social, volviéndose su pintura más simple y sintética. Se va convirtiendo en una figura de culto para los jóvenes pintores posteriores al impresionismo. Un aguacero cuando había salido al campo a pintar fue la causa de su muerte, que le sorprendió en su ciudad natal.

40 Sus obras… …Cézanne La casa del doctor Gachet en Auvers, pintada en Es una pintura al óleo sobre lienzo de 46x37.5 cm y se encuentra en el Musée d`Orsay, en París. Gachet, un médico aficionado a la pintura que frecuentaba a los artistas reunidos en torno a Manet en Battignoles, fue uno de los primeros clientes de Cézanne, a quien alojó en la casa que aparece en este cuadro. El encuadre, escogiendo un recodo del camino, se repite mucho en los paisajes de Cézanne, quizá porque permite eludir más fácilmente la perspectiva tradicional: el propio trazo del camino proporciona una referencia espacial para todos los objetos presentes en la escena.

41 Sus obras… …Cézanne El florero azul, pintada entre 1883 y Es una pintura al óleo sobre lienzo que mide 61x50 cm y se encuentra en el Musée d´Orsay, en París. Las frutas están sin terminar, como se ve en las zonas en blanco junto a los trazos del contorno, y el plato tras el jarrón parece doblarse sobre su centro, como si a un lado y otro del eje del florero asistiéramos a dos escenas pintadas desde diferente punto de vista. Este tipo de distorsión, que Cézanne practicó en sus naturalezas muertas durante sus últimos veinte años, contiene el germen del concepto espacial del cubismo.

42 Sus obras… …Cézanne Muchacho con chaleco rojo, pintada entre 1890 y es una pintura al óleo sobre lienzo, de unas medidas de 92x73 cm, que se encuentra en la Nacional Gallery of Art, en Washington. El cortinaje de fondo cumple una función similar a los paños sobre los que se colocan los objetos en las naturalezas muertas: dar pie a ese fluido espacial continuo sobre el que destaca el modelado de la figura. La pose del muchacho, de tres cuartos y con las caderas inclinadas, cargando el peso sobre una pierna, introduce un juego de planos oblicuos que se precipitan sobre el plano del cuadro o se retraen respecto a él.

43 11. Alfred Sisley ( ) Nació el 30 de octubre de 1839 en París, hijo de padres ingleses. Con 18 años viaja a Londres para estudiar economía. De regreso a París en 1861, ingresa en el taller de dibujo y pintura del académico Charles Gabriel Gleyre, donde conoció a Claude Monet y Pierre Auguste Renoir. Abandona el taller para realizar la totalidad de la obra en plein air buscando transmitir la sensación visual en su estado inmediato. Dedicó todos sus esfuerzos al paisaje y aportó con su obra una nueva forma de entender el género que nace del conocimiento de la pintura romántica inglesa, se suma a la tradición de los paisajistas franceses y a la del resto de pintores impresionistas, y da lugar a uno de los capítulos más líricos y armoniosos del movimiento. Estudia los efectos de la atmósfera y las transparencias en el agua; el paisaje será su género predilecto. En los años de la guerra franco-prusiana, residió en diversas localidades en los alrededores del bosque de Louvicennes; aquí es donde Sisley define su método, caracterizado por la exploración del mismo paisaje en condiciones climatológicas diversas y desde puntos de vista distintos. Se establece en Moret-sur-Loing, localidad en la que falleció, tras penosa agonía, de un cáncer de garganta el 29 de enero de 1899.

44 …Sisley Sus obras… La isla de Saint-Denis, pintada en Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, de unas medidas de 50.5x65 cm, que se encuentra en el Musée d´Orsay, en París. A diferencia de Monet o Renoir, a Sisley siempre le interesó la representación del espacio, el efecto de profundidad en sus escenas. De ahí su gusto por encuadres panorá- micos, a la manera de Corot, en los que se marcan bien las referencias de escala entre los distintos términos. Su tratamiento del reflejo de los árboles en el agua también es distinto del de Monet, que no valoraba de forma diferente los objetos sólidos y su reflejo en el agua; para él ambos eran proveedores de sensaciones coloreadas, mientras Sisley, más cercano a un concepto tradicional de la representación, nunca dejó de dar importancia a la forma y el volumen.

45 …Sisley Sus obras… Nieve en Louveciennes, pintada en Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, de unas medidas de 65x50.5 cm, que se encuentra en el Musée d´Orsay, en París. Las tapias que bordean el camino enmarcan en profundidad la escena, contrastando con la referencia vertical de los árboles. Sisley establece un complejo juego de “pantallas” visuales a base de pinceladas muy libres de blanco y azul entre las que apenas emergen las ramas de los árboles, a base de trazos negros muy abocetados, y el tono local de las tapias, dispuesto de manera uniforme, que asoma por debajo de las partes cubiertas por la nieve.

46 …Sisley Sus obras… Lady´s Cove, pintada en 1897, es una pintura al óleo sobre lienzo que mide 46x61 cm, y se encuentra en el Musée des Beaux-Arts, en Rouen. Se trata de una singular serie de vistas de la costa de Penarth que constituyen sus primeras marinas. Estas dos rocas agitadas por las olas representan quizá el momento en que un Sisley ya cercano al final muestra mayor dominio de la técnica suelta, de grandes trazos de pincel, que había perseguido desde principios de los años ochenta. La misma sencillez del objeto pictórico es la responsable de que, contra su costumbre, se desprenda de las inquietudes de la representación para entregarse por completo a recrear la luz y su interacción con la espuma de las olas de forma especialmente concentrada.

47 12. Claude Oscar Monet ( ) Pintor impresionista francés. Es considerado el impresionista prototípico, porque su devoción por los ideales del movimiento permaneció incólume a lo largo de su prolongada trayectoria. Pasó su juventud en Le Havre, donde destacó primero como caricaturista, pero luego su primer mentor, Boudin, le convenció de que se dedicara al paisaje. En 1895 estudió en París en el Atelier Suisse y se hizo amigo de Pizarro. Después de dos años de servicio militar en Argelia, volvió a Le Havre y conoció a Jongkind, de quien decía que debía “la definitiva educación de mi vista”. Luego, en 1862, entró en el estudio de Gleyre en París, donde conoció a rendir, Sisley y Bazille, con quienes había de formar el núcleo del grupo impresionista. Monet sentía una gran devoción por la pintura al aire libre. Durante la guerra franco-prusiana ( ) se refugió en Inglaterra con Pizarro. De 1871 a 1878, Monet vivió en Argenteuil, un pueblo a orillas del Sena, cerca de París, y allí fueron pintadas algunas de las obras más felices y famosas del movimiento impresionista. Después de haber vivido en la pobreza, Monet empezó a prosperar. Hacia 1890 se compro su casa de Giverny y en 1892 se casó con su amante. Desde 1890 se concentró en series de cuadros en las que pintaba el mismo tema en distintos momentos del día con luces diferentes, como La Catedral de Rouen. En sus últimos años trabajo en un gran proyecto decorativo de pinturas de nenúfares que fueron instalados, un año después de su muerte, en la Orangerie de París. Monet fue enormemente prolífico y muchas galerías importantes tienen ejemplares de su obra.

48 Sus obras… …Monet Regatas en Argenteuil. Cuadro pintado en 1872, que actualmente se encuentra en el museo del Louvre, en París. En su conjunto, la obra mide 48x73 cm y es una pintura al óleo sobre lienzo. Monet sorprende con ojo celoso los aspectos del río, los vivaces reflejos del agua, los innumerables incidentes de color exaltados por la limpidez atmos- férica. Transfiere en el agua celeste los rojos, los verdes, los blancos de las casas, de los árboles y de las velas, ya que la percepción del reflejo es, como percepción, tan concreta como la percepción de la cosa. Monet ha fijado las notas del color sin preguntarse a que tipo de objeto correspondían. Con los blancos insistentes de las velas y de sus reflejos, resuelve la profundidad en un solo plano. Ni siquiera distingue entre las cosas y el ambiente espacial y luminoso en el que aquéllas se encuentran.

49 …Monet Sus obras… Impresión Sol naciente. Pintado en 1873 y actualmente en el Museo Marmottan, en París. Es un óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son 478x63 cm. Es una obra completamente desaliñada en la que Monet se deja llevar por una auténtica inspiración poética. La libertad respecto al objeto entendido como volumen es la gran conquista de ese momento. Los azules y rosas, extendidos en sutiles veladuras, amortiguan todo rumor y chapoteo en el instante de la salida del sol.

50 …Monet Sus obras… La Catedral de Rouen. Pintado por monet durante los meses invernales de 1892 a 1893, y completadas en Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, con unas medidas de 107x73 cm, que se encuentra en el Museo del Louvre, París. Forma parte de un conjunto de cuadros que muestran la catedral de Rouen en diferentes momentos del día.

51 13. Joaquín Sorolla ( ) Sorolla es un pintor español nacido en Valencia en el año Formado en su ciudad natal con el escultor Capuz, estudió posteriormente las obras del Museo del Prado y, gracias a una beca, pudo residir y estudiar en Roma de 1884 a En esta época se dedicó sobre todo a cuadros de temática histórica, que no ofrecen demasiado interés. Un viaje a París en 1894 lo puso en contacto con la pintura impresionista, lo que supuso una verdadera revolución en su estilo. Abandonó los temas anteriores y comenzó a pintar al aire libre, dejándose invadir por la luz y el color del Mediterráneo. Son precisamente las obras de colores claros y pincelada vigorosa que reproducen escenas a orillas del mar las que más se identifican con el arte de Sorolla. Sin embargo, fue un artista muy activo, que realizó también numerosos retratos de personalidades españolas y algunas obras de denuncia social bajo la influencia de su amigo Blasco Ibáñez. Su estilo agradable y fácil hizo que recibiera innumerables encargos, que le permitieron gozar de una desahogada posición social. Su fama rebasó las fronteras españolas para extenderse por toda Europa y Estados Unidos, donde expuso en varias ocasiones. De 1910 a 1920 pintó una serie de murales con temas regionales para la Hispanic Society of America de Nueva York. Murió en España en el año 1923.

52 …Sorolla Sus obras… Aún dicen que el pescado es caro. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, de unas medidas de 153x204 cm pintado en el año Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. Sorolla hace alusión a uno de sus temas favoritos, los pescadores de su tierra natal, que más tarde pintará en diferentes faenas cotidianas. Vemos a un joven pescador en la cubierta del barco, con el torso desnudo, mientras otro le sujeta por las axilas y un tercero le cura la herida con un paño. La escena se desarrolla en una barca y pueden apreciarse los pescados en el fondo y diversos utensilios en primer plano. La preocupación por la crítica social no hace que el pintor olvide los efectos lumínicos, produciéndose importantes contrastes entre luz y sombra. La expresividad de los rostros de sus personajes será otra de sus preocupaciones.

53 …Sorolla Sus obras… Niños en la playa, Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, de unas medidas de 118x185 cm. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. Corresponde con una de las etapas más fecundas y exitosas del autor. Representa a uno de los géneros más populares que cultivó Sorolla y donde se plasma lo mejor de su arte, la figuración de personajes al borde de la línea de olas de la playa. Lo que más llama la atención del cuadro son las sombras, y su peculiar manera de pintarlas en tonos azules y violáceos. El pintor logra captar, de manera magistral, las sensaciones del aire al evaporarse sobre los cuerpos mojados, consiguiendo transmitir calidades esmaltadas, al tiempo que la luz solar, al estar dentro del agua, parece como palpitar en los reflejos acuosos de los cuerpos. Otra característica es la captación de las expresiones, que aquí resuelve con la mirada del chico que está en medio aunque con una cara en absoluto definida. En este cuadro, ya no sólo es posible “oler” a mar, sino que también podemos “escuchar” el sonido de las olas regresando de nueva al mar.

54 …Sorolla Sus obras… Paseo a orillas del mar, Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, de unas medidas de 205x200 cm que se encuentra en el Museo Sorolla, Madrid. Es uno de los cuadros más famosos realizados por Sorolla. En él aparecen representadas su mujer, Clotilde García, la cual sostiene una sombrilla, junto a su hija mayor, María Clotilde, caminando al atardecer por la playa de Valencia mientras la brisa marina hace ondear sus ropas. Es una obra con vitalismo y gran colorido. Es difícil su clasificación estilística, aunque la mayoría de autores la sitúa en el postimpresionismo español, debido al tipo de pincelada suelta, la luz, el color y el movimiento que transmite la obra.

55 14. Vincent Van Gogh ( ) Nacido en Groot- Zumdert. Casi un completo desconocido en vida, Van Gogh es hoy uno de los pintores más famosos del mundo. Comenzó a pintar a la edad bastante tardía de 27 años y su vida fue tan corta como extraordinariamente prolífica, pues pintó más de dos mil obras. Colaboró de forma ocasional con otros artistas coetáneos, como Paul Gauguin, en el establecimiento de un nuevo movimiento estilístico, y se le considera como uno de los artistas más destacados del postimpresionismo en Francia. Después de trasladarse de los Países Bajos al sur de Francia, su paleta cambió de la gama más oscura de sus primeros años a unos colores más saturados y vivos. Pintó numerosos autorretratos, representaciones de gente corriente observada en su entorno natural, escenas interiores, bodegones y paisajes. Su estilo maduro se caracteriza por colores audaces, así como pinceladas táctiles y densas. Sus innovaciones estilísticas y su aproximación al arte como medio de expresión personal en lugar de como reproducción de la realidad, influirían posteriormente en el fauvismo y el expresionismo. La fascinación que se siente a menudo por Van Gogh proviene no sólo de sus considerables logros artísticos, sino también de los conocidos y dramáticos acontecimientos de su turbulenta vida. En efecto, su vida estuvo marcada por el progreso de su enfermedad mental, que causó el famoso episodio de la automutilación (se cortó una oreja) y que terminó de forma trágica con su suicidio. Las obras de Van Gogh sólo recibieron reconocimiento público tras su muerte, y en la actualidad se le considera uno de los pintores fundamentales de la historia contemporánea de la pintura.

56 …Van Gogh Sus obras… Comedores de patata, Se trata de un óleo sobre lienzo, de unos 81,5x114,5 cm, y actualmente se encuentra en el Museo Vincent Van Gogh, Ámsterdam. Esta escena costumbrista que se basó en varios estudios, pretende transmitir al espectador la crudeza de la vida rural. La débil iluminación de la lámpara de petróleo, los rudos rostros de los campesinos alrededor de la rústica mesa y sus rechonchas figuras, crean un efecto realista de pertenencia a la tierra, tanto de los personajes como de la misma estancia. Las exageraciones estilísticas, los severos contornos y la distorsión de las líneas, característicos del estilo más maduro de Van Gogh, son ya visibles en este cuadro. A diferencia de las otras obras, el uso del color es aquí más discreto.

57 …Van Gogh Sus obras… Noche estrellada, Se trata de un óleo sobre lienzo de unas medidas de 73,7x92,1 cm. Actualmente se encuentra en el Museum of Modern Art, Nueva York. Se trata de una de las obras más conocidas de Van Gogh. La imagen se basó en la observación del paisaje de Saint-Rémy. Las líneas espirales y las formas distorsionadas crean una atmósfera de gran intensidad esmocional.

58 …Van Gogh Sus obras… Girasoles en un jarrón, Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, de 100x76 cm, que se encuentra en el Museo Seiji Togo Yasuda Kasai, en Tokio. Este óleo pertenece a la famosa serie de cuadros de flores. La brillante y risueña paleta es de gran intensidad, y la técnica del empaste o aplicación de pintura espesa crea un efecto táctil donde se aprecia la mano del artista.

59 15. Gustav Klimt ( ) Pintor y artista gráfico austriaco, primer presidente de la Secesión vienesa. A pesar de sus éxitos académicos oficiales, se sintió atraído por la vanguardia, y experimentó la influencia del Impresionismo, el Simbolismo y el Art Nouveau. Descontento con las actitudes conservadoras de la Asociación de Artistas Vieneses, él y un grupo de amigos dimitieron en 1897 y crearon su propia asociación, la Secesión, de la cuál fue elegido presidente. Era muy sensible a la belleza femenina, y es característico en sus figuras que estén tratadas figurativamente, pero embellecidas por esquemas ricamente decorativos, creando un estilo muy característico de sensualidad extraordinariamente exuberante. Su obra influyó especialmente en Kokoschka y Schiele.

60 Sus obras… …Gustav KlimtRetrato de Adele Bloch-Bauer I, La técnica utilizada es óleo, plata y oro sobre lienzo, y tiene unas medidas de 138x138 cm. Actualmente se encuentra en Österreichische Galerie Belvedere, en Viena. Uno de los numerosos retratos que Klimt realizó de bellas mujeres de la alta sociedad vienesa. Esta imagen presenta a una acaudalada mujer como icono de la feminidad intelectual y culta. El estilo se inspira en la tradición bizantina del retrato de mosaico, con su estética dorada y de piedras preciosas. La elegante figura aparece envuelta por el fondo y el suntuoso vestido. El rostro destaca del entorno decorativo y la mujer mira fijamente al espectador.

61 Sus obras… …Gustav KlimtEl beso, pintado entre 1907 y 1908, se trata de una pintura al óleo sobre lienzo de 180x180 cm. Österreichische Galerie Belvedere, Viena. Los únicos elementos de las figuras humanas que aparecen en esta suntuosa representación de una interacción amorosa son los rostros y las manos de los dos amantes, que se abrazan sobre un lecho de flores. A pesar de la belleza de la escena, la pareja está al borde de un precipicio. El autor diseña cuadrados, círculos y otras figuras geométricas que prácticamente cubren la composición del cuadro, cuyo fondo está oculto por el dorado que, de modo simbólico, unifica esta composición.

62 Sus obras… …Gustav KlimtMuerte y Vida, Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, de unos 178x198 cm, que se encuentra en la colección del Dr. Rudolf Leopold, en Viena. El tema se refleja tanto en las imágenes como en el tratamiento pictórico. La opulencia de la superficie contrasta con la seriedad del tema. Klimt representa el contraste entre la vida y la muerte. A la derecha vemos a la Vida: nacimiento, maternidad, intimidad y amor, representados por una masa de mujeres enlazadas y en distintas etapas de la vida. A la izquierda aguarda la muerte, acechando codiciosa, y cubierta por símbolos religiosos que recuerdan a las tumbas. Se puede apreciar el peso visual de esta imagen, colocando la figura mas alargada en el extremo de la pintura, consiguiendo así el equilibrio dentro de esta composición.

63 16. Salvador Dalí ( ) Nacido en Figueras, está considerado como el principal representante del surrealismo figurativo, la fiel reproducción de cada detalle se debe a su admiración por el pintor histórico francés Meissonier. Su obra temprana también está influida por la pintura metafísica de De Chirico y por el psicoanálisis freudiano. En 1929, llegó a París y se integró en el círculo de los surrealistas. Cumplía con los principales requisitos: automatismo e interpretación de los sueños. Dalí utilizaba el método de la transformación paranoico-crítica, por el que creaba ilusiones ópticas en combinación con un estilo hiperrealista, que reproducía cada detalle y mezclaba elementos oníricos y del inconsciente. Presentaba como obras de arte todas sus actividades artísticas y acciones, así como a sí mismo y a Gala, su esposa y musa.

64 …Dalí Sus obras… La jirafa ardiente, pintura al óleo sobre tabla de unas medidas de 35x27 cm. Pntada en el año 1936 y 1937, actualmente se encuentra en e Kunstmuseum, Basilea. Esta mujer con cajones es una de las creaciones más conocidas de Dalí y está influida por figuras manieristas. Dalí, que estudió a fondo a Freíd, quería crear una “alegoría del psicoanálisis”. Pretendía visualizar el placer con el que “somos conscientes del narcisista olor de cada uno de nuestros cajones”.

65 …Dalí Sus obras… La persistencia de la memoria, Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, de 24,1x33 cm. Atualmente se encuentra en el Museum of Modern Art, Nueva York. El método de transformación paranoico-crítica permitía a Dalí alcanzar un estado de trance durante el que tenía visiones fantásticas; después les daba forma con increíble precisión y obsesiva atención al detalle.

66 …Dalí Sus obras… Sueño provocado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar, Se trata de un óleo sobre lienzo de 51x41 cm. Actualmente se encuentra en la Colección Thyssen, Madrid.

67 17. Pablo Ruiz Picasso ( ) Nacido en Málaga, es uno de los grandes artistas del siglo XX. Concebía sus figuras a partir de la materia inerte y les insuflaba vida con el fuego de su creatividad. Persiguió la belleza absoluta y, mientras trataba de hallar, a lo largo de su vida, la autenticidad en pintura, creó obras de gran fuerza enraizadas en la tradición y, al mismo tiempo, libres de toda restricción ortodoxa. El tema central de Picasso, al que acude sin tregua durante toda su carrera, es la condición humana. Cultivó un gran número de formas del arte moderno, o les dio origen, con su incansable creatividad y diversidad estilística, y sólo hubo un género en el que no se aventuró: la abstracción. La humanidad y los seres vivos en general fueron la obsesión de su vida y a ello dirigió por completo su atención. Hizo añicos la forma humana y deformó el cuerpo captándolo en superficies planas, redondeándolo, inundándolo o vaciándolo de color. Representó al ser humano como individuo sufriente o como bestia, al hombre como amante potente, a la mujer como ser extraño y mágico, llevando la figura humana al límite de lo representable, pero sin llegar a traspasarlo. Los cuadros y las esculturas de Picasso revolucionaron el tratamiento del espacio en el arte. Su versatilidad e innovación evolucionaron a lo largo de su trayectoria artística, y dio origen a un gran número de estilos distintos que influirían en la formación de nuevos movimientos artísticos.

68 …Picasso Sus obras… Guernica, 1937, óleo sobre lienzo, 349,3x776,6 cm, Museo Nacional Reina Sofía, Madrid. Este monumental cuadro, con su apasinado alegato, constituya todo un símbolo del antibelicismo. La agonía, el duelo y el horror se ilustran de manera directa con la destrucción de la forma que presenta toda la superficie del cuadro. El 26 de abril de 1937, los aliados nazis de Franco bombardearon la ciudad vasca de Guernica y la destruyeron. Picasso comenzó sus estudios preliminares el 1 de mayo y expuso el mural en la Exposición internacional de París en junio.

69 …Picasso Sus obras… Mujer frente al espejo, 1932, óleo sobre lienzo, 162,3x130,2 cm, Museum of Modern Art, Nueva York. Este cuadro inusualmente colorido y de superficie múltiple, representa a Marie-Thérèse Walter, la nueva y joven amante de Picasso, en un retrato dual. El motivo de la imagen en el espejo es una alusión al mito de Narciso, que el artista estaba explorando por aquel entonces: el reflejo es siempre símbolo de autodescubrimiento mediante la reflexión de la propia imagen.

70 …Picasso Sus obras… Las señoritas de Avignon, 1907, óleo sobre lienzo, Museum of Modern Art, Nueva York. Esta obra, que marca el comienzo del arte moderno, no surgió en un único acto de ingeniosa creatividad, sino que fue el resultado de un laborioso proyecto de varios meses con numerosos borradores y estudios en los que el artista contrató la plasticidad y la esculturalidad de la figura humana. Picasso se interesa por la esquematización del cuerpo humano y su reducción a formas y volúmenes. En el curso de la creación de la obra, los cuerpos, el campo de visión y el color se funden en un todo. Tan sólo en la pequeña naturaleza muerta de la parte inferior del cuadro puede hallarse una escena propiamente dicha.

71 18. Manuel Cruz Fdez ( ) Nacido en Huelva el 8 de Marzo de Su adolescencia en el barrio de Pozo Dulce fue difícil, aunque centrada en la asistencia a la academia loca, donde asiste a sesiones de dibujo. La llegada de artistas docentes a la ciudad hace que Manuel se vincule especialmente con este medio artístico que va adquiriendo poco a poco una cierta entidad en la capital. En Octubre de 1911 obtiene su primer galardón: un primer premio con diploma en la Exposición Provincial celebrada en el Círculo Mercantil de Huelva. Además, obtiene una concesión por parte del Ayuntamiento de Huelva de una beca de estudios con al posibilidad de desplazarse a Sevilla. Entabló amistad con varios personajes públicos, como son Juan Ramón Jiménez o José Muñoz San Román, además de entrar en contacto con Daniel Vázquez Díaz en la época de Sorolla. A partir de 1914 exploró tierras cacereñas y castellanas, concretamente Toledo. Estuvo cercano a ciertos contenidos modernistas, expresados sobre todo en sus retratos a mujeres. Además, cultivó el modernismo ambiental, que se puede apreciar en sus obras de paisajes.

72 …Cruz Fdez. Sus obras… Viejo pescador, 1911, óleo sobre lienzo, 15,8x50,7 cm, Ayuntamiento de Huelva. Este encuadre frontal de un anciano cosiendo redes en su barca es la primera obra que conocemos de Manuel Cruz Fernández. La obra revela una mirada atenta y detallista, propia de un realismo descriptivo, que se inscribe dentro de una estética naturalista.

73 …Cruz Fdez. Sus obras… Maternidad, , óleo sobre lienzo, 111x101 cm, Colección Salinas, Guadalupe (Cáceres). Esta pintura de luminoso y limpio colorido, pura de formas, se centra en la temática universal de la maternidad, confirmada de una manera rotunda en el medio rural por Manuel Cruz como un verdadero emblema de la continuidad de la vida. Un lienzo inconcluso aunque de gran calidad pictórica y sutiles matices, en especial el plano de cielo, que viene a confirmar el tipo de temática esencial y humana de los personajes populares que Manuel Cruz explora tanto en Huelva como en sus incursiones castellanas durante la segunda década del siglo, precisamente durante los años de la guerra europea.

74 …Cruz Fdez. Sus obras… Retrato de joven, , óleo sobre lienzo, 23,2x28,5 cm, Colección Salinas Cruz, Madrid. Una imagen discreta e íntima en donde predomina la sencillez y la ternura del personaje, transcrito mediante pinceladas constructivas y acertados tonos de color. Una pintura que no deja de recordarnos algunas obras de Vázquez Díaz, pero igualmente otras de mayor sentimiento impresionista, y que, en su misma evidencia, implican una cierta evolución de su plástica hacia la búsqueda de una articulación pictórica de gran modernidad.

75 19. Andy Warhol ( ) A este artista gráfico, nacido en Pittsburg, ilustrador comercial y cineasta de vanguardia estadounidense se le considera el principal representante del “arte popular” o Pop Art. Estudió diseño gráfico en la Escuela de Bellas Artes de Pittsburg. Se trasladó a Nueva York y trabajó como ilustrador publicitario, trabajo que influiría más tarde en toda su actividad creativa. Sus primeros pasos artísticos están asociados con los nuevos realistas, un grupo de artistas que empezó a darse a conocer hacia Basaban su obra en las ideas dadaístas de los años veinte, y concebían el arte como una antítesis irónica del expresionismo abstracto y como una búsqueda de un nuevo y radical comienzo. Warhol se involucró en el Pop Art convencido de que el materialismo cotidiano y la cultura consumista merecían pintarse. Sus obras alternaban la glorificación y la crítica de la cultura de masas estadounidense, con productos comerciales y celebridades.

76 Sus obras… …Warhol Lata de sopa Campbell´s en una bolsa de la compra, 1966, serigrafía en una bolsa de papel, 40,2x23,4 cm. A partir de 1962, Warhol creó las serigrafías de Latas de sopa Campbell´s y Desastres. Gracias a ellas pronto se le conoció como el “Papa del pop”. Estas creaciones cambiaban radicalmente las concepciones tradicionales del arte y la estética. La creatividad artística y la originalidad dejaron de ser el centro de atención para ceder el puesto a los productos industriales de la moderna sociedad de consumo, que se calificaron de obras de arte en sí mismas. La reproducción en masa y la omisión de la firma del artista convertían el objeto pictórico en un retrato de la cultura que representaba. En esta serigrafía en una bolsa de la compra, Warhol crea una doble relación entre el arte y la vida.

77 Sus obras… …Warhol Esto es una parte del Díptico de Marilyn, 1962, acrílico y serigrafía sobre lienzo, 208,3x114.8 cm, Tate Modern, Londres. Este famoso retrato presenta a Marilyn Monroe como ídolo glamoroso de la cultura pop. La leyenda de loa estrella de cine sigue viva hoy en día, en parte, gracias a esta representación. Warhol serigrafió en lienzos la fotografía de la estrella de cine en innumerables colores, en diferentes tamaños y en composiciones seriales de hasta 150 imágenes. De esta manera, siempre trabajó con la misma imagen, un fotograma de la película Niágara. Cuando Monroe murió, el 2 de agosto de 1962, Warhol expresó su dolor y fascinación por la estrella realizando más de veinte serigrafías en aquel mismo año. El Díptico de Marilyn es una de sus obras más destacadas. Una mitad está impresa con brillantes colores fosforescentes y la otra con tinta negra, lo que simboliza el contraste entre la vida y la muerte.

78 Sus obras… …Warhol En 1979, Warhol recibió de BMW el encargo de pintar un coche de carreras de competición BMW M1 para la cuarta exposición del proyecto "BMW Art Car". A diferencia de los tres artistas que le habían precedido, Warhol declinó utilizar inicialmente un modelo a escala, y se puso a pintar directamente sobre el vehículo. Se dice que Warhol tardó un total de 23 minutos en pintar el coche entero.

79 20. Juan Fernández (1950) Nace en Ayamonte (Huelva), en 1950.Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. En la especialidad de Grabado. Desde 1980 tiene su residencia estudio en Madrid compartido con Estudio en Ayamonte. Durante 12 años ha impartido enseñanza en la Academia-Taller del Prado de Madrid. Ha realizado más de cuarenta exposiciones individuales y más de 250 exposiciones colectivas entre certámenes, ferias y galerías de arte de España y el extranjero. Ha conseguido 25 premios de pintura. Conjugando una depuradísima técnica pictórica, se aplica a la apasionante tarea de recuperar lo real de su cotidiana condi- ción, para dejar escrito en su protagonismo el insospechado y enigmático carácter que adquieren las cosas desveladas y sorprendidas en su propia y legítima naturaleza.

80 Sus obras… La castellana Madrid. Técnica mixta sobre lienzo, 89x146 cm…Juan Fdez. La castellana Madrid. Técnica mixta sobre lienzo, 89x146 cm

81 Sus obras… …Juan Fdez. Madrid desde la casa de campo. Técnica mixta sobre lienzo, 65x100 cm.

82 Sus obras… …Juan Fdez. Pared con membrillos, óleo sobre lienzo, 73x92 cm.

83 Escultura … …10 escultores

84 21. Donatello ( ) Donatello, nacido en Florencia, fue sin duda el escultor más influyente del primer Renacimiento. Aprendió el oficio en el taller de Lorenzo Ghiberti, el escultor de bronces más importante de su tiempo. Basó su obra en modelos clásicos e influyó en las generaciones posteriores, incluido Miguel Ángel, gracias a sus innovaciones. Liberó la escultura de la subordinación a la arquitectura y se atrevió a crear figuras de desnudos de tamaño natural. Donatello trabajó con mármol y bronce, así como con madera. Sus bajorrelieves están ejecutados con tanta delicadeza como si fueran pinturas, y sus estatuas, de formas redondeadas hacen gala de una dignidad y un realismo que no se habían visto desde la antigüedad. Sus obras encarnaban el nuevo ideal de hombre del Renacimiento, autosuficiente, poderoso y despierto.

85 Sus obras… …Donatello Estatua ecuestre del Gattamelata (Erasmo de Narni), , bronce, 340 cm de altura, Piazza del Santo, Papua. Con la estatua de Gattamelata, en Papua, creó un prototipo de monumento ecuestre que se reprodujo en incontables ocasiones hasta la época barroca. Al dar vida a una estatua ecuestre que no representaba a un gobernante, el escultor rompió por completo con la tradición artística.

86 Sus obras… …Donatello La Anunciación, 1435, caliza, 420x248 cm, Santa Croce, Florencia. La obra muestra una desviación del dinámico estilo usual de Donatello, que aquí creó una escena de gran dulzura y belleza. La Anunciación, está insertada dentro de un tabernáculo renacentista, compuesto por un basamento, con el apoyo de dos ménsulas que muestran dos escudos. La rica ornamentación de toques dorados acentúa las líneas pero, no influye de ninguna manera en la calma y la concentración del encuentro sacro. Los dos protagonistas la Virgen y el Ángel, están realizados en alto relieve y representados en el momento de la aparición angélica. La Virgen escucha con sorpresa moderada y con una reacción controlada. Su figura está modelada según el ideal anatómico de los antiguos, pero supera el arte antiguo en la expresión de una emoción más profunda. El ángel, arrodillado ante ella, la mira con timidez y con dulzura, estableciendo un estrecho diálogo visual que hace la escena extremadamente ligera y viva.

87 Sus obras… …Donatello David, , bronce, 158 cm de altura, Museo Nazionale del Bargello, Florencia. Aún no se ha llegado a un acuerdo sobre la fecha en que Donatello esculpió su famoso bronce David, si bien nadie pone en duda la importancia de esa escultura, el primer desnudo de tamaño natural desde los tiempos clásicos. El joven pastor bíblico, que viste únicamente un sombrero y unas botas, pone su pie sobre la cabeza decapitada del vencido Goliat. Donatello entendía el cuerpo humano como un organismo vivo cuyas partes formaban un todo armonioso. Sorprende la delicada, casi femenina, forma del cuerpo. Representa una belleza ideal, pero es realista hasta el más mínimo detalle. La armonía de las proporciones y la estabilidad de la postura expresan la paz interna del David.

88 22. Miguel Ángel ( ) Nacido en Caprese, Miguel Ángel, que provenía de la baja nobleza, aprendió a pintar de joven con Domenico Ghirlandaio. Después estudió escultura con Bertoldo di Giovanni, suplente de Donatello. Estudió los modelos de las esculturas clásicas de la colección de los Médici y entró en contacto con los filósofos neoplatónicos, donde se forjó su bagaje artístico. Concebía las bellezas clásicas como manifestaciones de lo divino. Para él, el arte no era una disciplina manual, sino un desafío intelectual. Fue el primer artista venerado como un genio incluso en vida. Dominaba los formatos monumentales y dotó a sus composiciones de un poder, una grandeza y una claridad nunca antes vistas. Su idealización de lo humano sobrepasaba todos los límites. Hizo del cuerpo desnudo el principal tema de su arte representándolo como idealmente bello y musculazo, al tiempo que imbuido de poder espiritual y riqueza interior. Miguel Ángel prefería la escultura de mármol, pero también creó obra maestras como pintor.

89 Sus obras… …Miguel ÁngelLa piedad, , mármol, 174 cm de altura, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano. Esta obra puntualiza y clarifica lo excepcional y la realidad ya relevante y personalísima de su arte frente a la exaltación antigua. Se funde en ella el ideal renacentista ilusivo con la más exquisita y abstracta indagación formal; y la realidad de la materia queda como incluida en el preciosismo del renovado pensamiento de la muerte. El plasticismo confiado a las formas aparece tan idealizado que la realidad perseguida, en el sumo refinamiento y en el perfecto pulimento de mármol, se transfiere a otra realidad poética de constante intensidad lírica.

90 Sus obras… …Miguel Ángel David, 1501-1504, mármol, 434cm de alto.Con su estatua del David bíblico, el joven Miguel Ángel creó el primer desnudo masculino monumental desde la antigüedad (y, al mismo tiempo, una de las esculturas más célebres de todos los tiempos). Interpretó novedosamente al joven pastor como un poderoso héroe de controlada energía y bravura, la gigantesca estatua se concibió en un principio como sostén del coro de la catedral de Florencia; sin embargo, una vez terminada, se ubicó ante el Palazzo Vecchio como símbolo del gobierno de la ciudad. En la actualidad existe una copia en esa ubicación, pues el original está en la Galleria dell´Accademia, en Florencia.

91 Sus obras… …Miguel ÁngelEsclavo moribundo; , mármol, 229 cm de altura, Museo del Louvre, Paris. Esta escultura se concibió en un principio para la tumba monumental del papa Julio II. Aunque Miguel Ángel la empezó en 1505, no la completó hasta una década más tarde, y en un tamaño menor que el inicialmente planeado. De hecho, se terminó cuando ya no existía el propósito de usarla en la tumba. Este desnudo masculino, que representa a un hombre que parece estar despertando de un sueño profundo o luchando contra la muerte, simboliza el alma liberándose de la prisión del cuerpo.

92 23. Alonso Berruguete ( ) Alonso González Berruguete, nacido en Paredes de Nava (Palencia), es el escultor castellano del manierismo y uno de los referentes fundamentales de la imaginería española del Renacimiento. Aprendió pintura y escultura en el taller familiar; sus obras de entonces evidencian el contacto con los escultores activos en Castilla. Desde 1507 estuvo en Italia ampliando sus conocimientos de pintura, principalmente en Florencia, donde debió llegar hacia 1512.Estuvo entre los manieristas toscanos discípulos de Andrea del Sarto y hay quien afirma que participó activamente en la génesis del Manierismo pictórico florentino. Los largos años de estancia en Italia le permitieron conocer profundamente a los maestros del Quattrocento y los modelos de la escultura grecolatina clásica; en su obra hay una admiración profunda por la obra de Donatello, quien le inspira algunos tipos, y, desde luego, Miguel Ángel, por sus volúmenes rotundos y la atormentada terribilitá de su obra final. De Leonardo da Vinci aprendió a individualizar los rostros, pese a lo cual todas las influencias confluyeron en un estilo muy personal y un temperamento fuertemente expresivo, que se refleja en sus figuras de un contorno llameante y anguloso que revive la estética del Gótico. Fijó en Valladolid su residencia en 1523, ciudad en la que fundó su taller, y se dedicó a la talla de retablos e imágenes.

93 Sus obras… …BerrugueteSacrificio de Isaac, , nogal policromado, Museo Nacional de Escultura, Valladolid. Ocupa el banco del retablo de San Benito el Real junto con otras imágenes emblemáticas del artista, como San Sebastián, San Cristóbal y San Jerónimo. Resume el manierismo escultórico de Berruguete: el canon alargado de diez cabezas, la línea serpentinata heredadaza del Laoconte y el expresionismo, visible en los cuerpos delgados y el grito de angustia que emiten los personajes.

94 Sus obras… …BerrugueteTransfiguración de Cristo, , alabastro, Remate de la silla episcopal, Coro de la Catedral, Toledo. La sillería de la Catedral Primada es el conjunto escultórico más expresivo del Renacimiento español. En su factura intervinieron tres maestros. La parte baja, con relieves en los respaldos de la Guerra de Granada, fue labrada entre 1489 y 1494 por el entallador Rodrigo Alemán. La construcción de las sillas altas y el coronamiento arquitectónico se repartió, en 1539, en competencia, correspondiendo la zona del evangelio a Bigarny y la de la epístola, a Berruguete, que acabaron su trabajo en A continuación, Berruguete realizó el remate de la silla episcopal, con el grupo de la Transfiguración en el ático y los relieves del Juicio Final, el Paso del Mar Rojo y la Serpiente de bronce bajo la bóveda del asiento.

95 Sus obras… …BerrugueteSepulcro del Cardenal Tavera, , mármol de carrara, Iglesia del Hospital de San Juan Bautista, Toledo. Berruguete conoció bien al Cardenal Tavera, a quien trató en Valladolid durante la estancia del prelado como Presidente del Consejo de Castilla y de la Real Chancillería. Posteriormente, volvió a encontrarse con Su Eminencia en Toledo, cuando fue nombrado arzobispo de la Catedral Primada y le encargó la sillería coral. En su sepulcro utilizó la mascarilla funeraria del difunto para retratarlo y superó el túmulo del cardenal Cisneros, realizado en 1519 por Bartolomé Ordóñez para la Capilla universitaria de Alcalá de Henares, que en el contrato se le impuso como modelo.

96 Giambologna ( ) El flamenco Jean de Bologne, nacido en Douai y conocido en Italia como Giovanni Bologna o, en su versión abreviada, Giambologna, fue el escultor manierista más importante de Italia. En Roma recibió la influencia tanto de Miguel Ángel como de las esculturas de la antigüedad clásica. Sus figuras, magistrales en su composición, parecen tener vida propia y constituyen el punto de unión entre la última etapa de Miguel Ángel y el dinámico estilo barroco de Bernini. Giambologna alcanzó gran popularidad en vida y trabajó sobre todo en Florencia al servicio de los Médici. Su dominio absoluto de las técnicas le llevó a abrir nuevas posibilidades en la escultura de bronce, llevando sus representaciones al máximo. Sus figuras parecen volar y moverse en el espacio. Creó escenas tan sofisticadas como sensuales, así como complicados grupos escultóricos perfectamente estudiados, donde cada punto de vista ofrece nuevas y sorprendentes lecturas. Sus figuras de bronce se convirtieron en preciados objetos de coleccionista por toda Europa y ejercieron gran influencia tanto en los escultores coetáneos como en posteriores.

97 Sus obras… …GiambolognaApeninos, 1580, piedra, más de 10 m de altura, parque cercano a Villa Demidoff Pratolino, cerca de Florencia. Esta colosal escultura, a cuyo interior puede accederse, personifica la cadena montañosa de los Apeninos italianos en la forma de un hombre barbado cuya imagen se refleja en el agua de un lago. En esta asombrosa y lograda obra se desdibujan los límites entre la naturaleza, la escultura y la arquitectura. Ilustra la inclinación manierista a traspasar los límites, así como el gusto por las figuras a escala monumental.

98 …Giambologna Sus obras… Mercurio, 1580, bronce, 187 cm de altura, Museo del Barguello, Florencia. Con su pieza más famosa, Giambologna alcanza lo imposible: Mercurio, el mensajero de los dioses, parece conquistar la fuerza de la gravedad desplazándose raudo en el aire con sus pies alados. El virtuoso escultor equilibra todo el peso de la figura en un único punto. Mercurio se encuentra en una corriente de aire que sale de la boca de Céfiro, el dios del viento. El brazo que gesticula hacia arriba acentúa la ligereza que transmite el cuerpo.

99 Sus obras… …GiambolognaEl rapto de las sabinas, 1583, mármol, 410 cm de altura, Piazza Della Signoria, Florencia. Varias figuras que describen una curva en “S” se enroscan unas a otras formando una espiral que se dirige hacia arriba. Se trata de una perfecta ejecución de la composición llamada figura serpentinata. La posición de los personajes hace que el espectador tenga que moverse alrededor de la obra, lo que le revela nuevas y sorprendentes vistas en cada posición. Se representa la leyenda clásica del rapto de las sabinas a manos de los romanos. La fuerza y la brutalidad están plasmadas con maestría en esta dinámica pieza. La escultura constituye el punto culminante de la actividad de Giambologna como escultor oficial de los Médici y causó admiración.

100 25. Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680)A Bernini, pintor notable y nacido en Nápoles, se le conoce sobre todo por ser el escultor barroco más importante. Dotó a la escultura de un carácter narrativo dramático, en que cada detalle quedaba subordinado al concepto de movimiento. Durante su carrera fundió cada vez en mayor medida la escultura con la arquitectura. Con el papa Urbano VIII, se convirtió en el principal artífice de la Roma barroca. Asistido por un gran taller, llevó a cabo un gran número de obras monumentales de todo tipo. Dedicó la mayor parte de su enorme capacidad productiva a la culminación de la basílica de San Pedro. Artistas de todos los países extendieron su influencia por toda Europa.

101 …Bernini Sus obras… Apolo y Dafne, , mármol, 243 cm de altura, Galleria Borghese, Roma. Para escapar de Apolo, la ninfa Dafne se transforma en laurel. La maestría del joven Bernini es evidente en el dinamismo general de la pieza, así como en el virtuoso acabado de las superficies. La piedra cobra vida gracias al magistral trabajo de las texturas.

102 …Bernini Sus obras… Éxtasis de Santa Teresa, 1647, mármol, 3,5 m de altura, Santa Maria Della Victoria, Roma. Bernini ilustra el éxtasis religioso de santa Teresa con un arrollador despliegue de luz, movimiento, expresiones faciales elocuentes y superficies de rugoso dramatismo. Esta escultura se considera una de las obras maestras del barroco pleno romano. El éxtasis religioso aparece aquí como una experiencia que puede captarse a través de los sentidos. Antes de que el sonriente ángel de Dios traspase a la santa con la flecha del amor divino, ella ya se ha desmayado. Bernini se basó en el propio relato de la santa.

103 …Bernini Sus obras… Fuente de los cuatro ríos, , mármol y travertina, Piazza Navona, Roma. Con esta espectacular construcción, Bernini creó un nuevo tipo de fuente. El dinámico complejo de rocas, animales, plantas y divinidades se eleva como un decorado de teatro de 360º. Las figuras encarnan los cuatro grandes ríos del mundo y, al mismo tiempo, los cuatro continentes. La fuente se inauguró en 1651.

104 26. Antonio Cánova ( ) Antonio Canova, nacido en Possagno, Italia, fue un escultor precoz considerado como el más importante del período Neoclásico. Sus obras más conocidas representan personajes mitológicos y religiosos, sin embargo su calidad artística, le permitió abordar todo tipo de temas. Aun niño va a vivir a Venecia y a los 24 años a Roma. Para ese entonces Canova ya deslumbraba con sus obras talladas en mármol, tanto así, que aun a su corta edad fue contratado para esculpir la tumba del papa Clemente XIV. En adelante, Canova fue requerido en toda Europa y trabajó para un sin número de notables de la época como Napoleón y la emperatriz Catalina de Rusia. El prestigio de Canova era inmenso. Al observar sus esculturas es fácil concluir que han sido creadas por un superdotado de las artes. Su estilo y técnica incomparables lo sitúan entre los más grandes maestros de la escultura clásica italiana.

105 Sus obras… …Antonio CanovaCupido y Psique, , mármol, 1,55 m de altura, Museo del Louvre, París.

106 …Antonio Canova Sus obras… Paulina Bonaparte Borghese como Venus victoriosa, , mármol, 200 cm, Galleria Borghese, Roma. Paulina, hermana de Napoleón contrajo segundas nupcias en 1803 con el príncipe romano Camilo Borghese. Tenía 23 años y su seductor atractivo físico hizo que la sociedad francesa la eligiera como reina de la belleza.

107 Sus obras… …Antonio CanovaLas tres Gracias, , mármol, 167 cm, Victoria and Albert Museum, Londres, y Nacional Gallery of Scothland, Edimburgo, en régimen de propiedad compartida. Las tres Gracias, hijas de Zeus, personifican en el mundo clásico la sonrisa de la dicha frente al dolor. El arte las representa desnudas, mimosas y abrazadas, simbolizando la liberalidad de dar, de recibir y de agradecer. En el Olimpo auxilian a Afrodita, diosa del amor, bañándola, vistiéndola y perfumándola para sus citas eróticas.

108 27. Auguste Rodin ( ) Auguste Rodin, nacido en París, es una figura central en el desarrollo de la escultura francesa. Su influencia redefinió el género escultórico de modo significativo a través de una exploración de la tensión y el dinamismo con desnudos inspirados en la tradición de Miguel Ángel. En sus obras, no intentó crear la ilusión de realidad en el espectador, sino que, por el contrario, sus esculturas revelan libremente su condición de oba manual mediante su acabado tosco y la sensación de que parecen estar emergiendo del material con el que están hechas. La nueva y radical visión de Rodin se vio reforzada por su talento para la representación formal del intelecto humano. Su método revolucionario de reproducción de la forma humana prescindía de escenas y de alusiones evidentes a la literatura, la historia o la mitología.

109 Sus obras… …Rodin El pensador, 1881, bronce, 71,5x40x58 cm, Museo Rodin, París. El pensador se inició como ejemplo de Las puertas del Infierno y representaba a Dante, autor de la Divina comedia. Se concibió como puerta del Museo de las Artes Decorativas de París. En la actualidad, se considera como la encarnación de la fuerza heroica y la inteligencia, y se han realizado numerosas copias de ella.

110 …Rodin Sus obras… El beso, , mármol, 181,5x12,3x117 cm, Museo Rodin, París. Esta escultura de gran carga erótica muestra la fascinación de Rodin por la figura humana. La monumental obra de mármol explora la intensidad y el dinamismo del abrazo de los amantes. La pareja surge del bloque de mármol; el abrazo que los une es tan inmemorial y antiguo como la propia piedra. Aunque formaba parte de Las puertas del Infierno, la obra se basa en una fuente literaria y alude a la historia de los amantes frustrados que se describe en el Infierno de Dante. En la interpretación del escultor, la imagen es una plasmación del lenguaje universal del amor, el deseo y la pasión. Originalmente titulado Francesca de Rimini, este nombre se cambió más tarde por el de El beso.

111 …Rodin Sus obras… Monumento a Balzac, 1898, 270x120x128 cm, Museo Rodin, París. La Societé des Gens des Lettres parisina encargó a Rodin un monumento conmemorativo de Honoré de Balzac en 1891, poco después de la muerte del escritor. Rodin trabajó en la obra durante varios años y realizó numerosas versiones de la escultura. La imagen final es un tributo a Balzac poco convencional. Su cuerpo no se discierne bajo los pliegues de un ropaje abstracto. La pesada cabeza se funde con los hombros y la intensa mirada se dirige a la distancia, hacia el horizonte. La escultura posee una consistencia gruesa y pesada que pretende transmitir al espectador la dimensión de la obra del escritor.

112 28. Alberto Giacometti (1901-1966)Este escultor, pintor y dibujante suizo, nacido en Borgonovo, vivió varias veces en Francia y está considerado como uno de los escultores más destacados del período de posguerra. Su obra temprana está muy influida por los surrealistas, a los que se unió en París de 1930 a El típico alargamiento extremo de sus esculturas puede ya verse en la obra de este período. Sin embargo, durante el curso de la guerra, su estilo experimentó un cambio radical y comenzó a centrarse en la concesión del humano. En este reenfoque de su obra, la realidad ya no está limitada por las manifestaciones visibles. El artista empezó a esculpir de memoria en lugar de basándose en un modelo, lo que se tradujo un estilo propio e inconfundible. Fue un artista “en busca del absoluto”, tal como escribió Jean Paul Sartre en 1940.

113 Sus obras… …GiacomettiPlaza urbana: Tres figuras y una cabeza, 1950, bronce, 57x53.5x40 cm, Smithsonian Institute, Jardín Escultórico Hirshorn, Washington D.C. Aisladas unas de otras y, a la vez, compartiendo el mismo suelo, las delgadísimas estatuas guardan el equilibrio sobre una hoja de vidrio. Son impresionantes metáforas del destino individual, el miedo y la soledad; de la persona, perdida y frágil en el vacío del espacio. También expresan la experiencia vital del propio Giacometti, que no pudo separarse de la inmediatez de la guerra.

114 Sus obras… …GiacomettiTres esculturas: Retrato de Diane Bataille (sin fecha), Mujer sobre un pedestal (1950), Busto de Diane Bataille (1947), 43,7 cm de altura, yeso, colección privada. En 1945 Giacometti volvió a París, se instaló de nuevo en su estudio y empezó a trabajar. En su círculo de amigos cercanos se encontraban George Bataille y su esposa, cuyos retratos modeló varias veces en el alargado y tosco estilo que le hizo tan famoso.

115 Sus obras… …GiacomettiMujer alta II, 1960, bronce, 277x60x31 cm, Fundación Maeght, Saint-Paul-de-Vence. Las altas y estilizadas estatuas de Giacometti recuerdan a los jeroglíficos y remiten a la idea de espacio. A pesar de esbozar tan sólo una anatomía, el alargamiento de estas demacradas figuras responde a unas proporciones exactas y dota a las esculturas de una impresionante e intensa presencia. Su fragilidad y aspecto quebradizo quedan realzadas por el modelado rugoso y tosco de la superficie.

116 29. Richard Serra (1939) Este artista estadounidense, nacido en San Francisco, es uno de los escultores más conocidos de nuestro tiempo. Estudió en la Universidad de California y en la de Yale, donde le influyeron en gran medida las puristas abstracciones geométricas de Josef Albers, destacado representante de la Bauhaus. En 1964, viajó a Italia, donde conoció el Arte Povera. Las ideas de este grupo sobre el uso de materiales humildes para infundir un significado energético y poético a la obra de arte influyeron en sus primeras esculturas. Pero lo que más ha influido en su obra es el minimalismo: un movimiento artístico que surgió en los años sesenta como reacción frente el individualismo radical del expresionismo abstracto. Desde 1970 se ha centrado sobre todo en el uso del hierro para crear superficies planares equilibradas en el espacio. Su obra plantea la relación entre las personas y su precepción del espacio. Sus enormes esculturas crean una sensación de inmediatez con el entorno.

117 …Serra Sus obras… Berlin Junction, 1987, acero, junto al edificio de la Orquesta Filarmónica, Berlín. Las esculturas de Serra están siempre en conflicto con la fuerza de la gravedad. Las pesadas planchas de acero están tan cuidadosamente equilibradas que no hace falta anclarlas al suelo a pesar de su monumental tamaño. Sus elegantes curvas denotan un dinamismo carente de fuerza a pesar de la solidez de la estructura.

118 …Serra Sus obras… Bloque de Berlín para Charlie Chaplin, 1978, hierro forjado, 200x200 cm, Neue Nationalgalerie, Berlín. Influidas por los principios del minimalismo, las esculturas de Serra están reducidas a la más simple y básica de las formas. Transmiten una impresión de máxima claridad, aunque al mismo tiempo son algo inquietantes. Este enorme bloque contrasta con la forma rectangular del edificio de la Neue Nationalgalerie. El cubo desconcierta al espectador al hacerle consciente de su naturaleza inestable y vulnerable a la fuerza de la gravedad.

119 …Serra Sus obras… Right Angle Prop (Apoyo en ángulo recto), 1969, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York

120 30. Louise Bourgeois (1911) L a obra escultórica de Louise, nacida en París, es una de las más destacadas del siglo XX. Empleando multitud de medios y formas de expresión, su obra desafía la clasificación estilística. Estudió en los años 30 en París, donde se unió durante un tiempo a los surrealistas, antes de emigrar a Estados Unidos en En sus primeras esculturas exploró sus experiencias domésticas como esposa y madre, así como el miedo y el aislamiento de la vida cotidiana. En los años setenta, con sus provocadores experimentos y la ruptura general que se produjo en la representación tradicional de la sexualidad, se convirtió en un importante modelo del movimiento feminista. No alcanzó realmente reconocimiento hasta 1982, año en que expuso en el Museum of Modern Art de Nueva York. El amplio espectro de su obra abarca desde lo abstracto a lo figurativo pasando por dibujos y grandes instalaciones. La mayor parte de su obra se inspira en el surrealismo, y es íntimamente tanto por el tamaño coo por la temática.

121 Sus obras… …Louise BourgeoisTorso, , bronce, pátina blanca, 62,8x40,6x20 cm, colección privada, por cortesía de la galería Karsten Greve, Colonia. Desde los años sesenta, la artista ha experimentado con materiales cada vez más inusuales, como látex y goma. Las figuras resultantes, como este Torso, poseen una corporalidad carnal excepcional. Las formas sexuales no pueden calificarse ni de masculinas ni de femeninas. A menudo se combinan las formas redondas de “pechos” con las protuberantes de “falos”, lo que crea una especie de figura hermafrodita con obvias connotaciones sexuales.

122 Sus obras… …Louise BourgeoisOjos, 1984, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nueva York.

123 Sus obras… …Louise BourgeoisMamá, 1999, acero y mármol, 9,27x8,92x10,27 m, de la serie Unilever para el Turbine Hall del Tate Modern, Londres. Los elementos autobiográficos ocupan un lugar fundamental en la obra de Bourgeois. La artista desarrolló una subjetividad radical y un universo autónomo inspirado en la memoria. En 2000 se le pidió que preparara una exposición para la inauguración del Tate Modern, y presentó una escultura de araña titulada Mamá, monumental y frágil a la vez, para el Turbine Hall. Sus innumerables variaciones de arañas tratan los temas del miedo, la alineación y la sexualidad agresiva.

124 Fotógrafos … …5 fotógrafos

125 31.William Henry Fox Talbot (1800-1877)Uno de los padres de la fotografía, nació en Belbury House, Dorset, en la casa de los condes de Ilchester. Estudió en Harrow Scholl con el Dr. Butler, destacando sus intereses en materia de química y de botánica. Pero fue después de varios viajes y de casarse, entre los años 1834 y 1840, cuando inició los trabajos que le llevarían a la fotografía. Empezó mojando una hoja de papel y alternando soluciones de sal común y un compuesto de plata, consiguió una imagen negativa por contacto de la hoja emulsionada con el modelo, ideó la esquiagrafía, o escritura con sombra, y consiguió imágenes negativas con cámaras oscuras. Entre 1836 y 1838 se centró en estudios teóricos sobre la luz y los efectos ópticos. Además, realizó un experimento al que bautizó con el nombre de calotipo.

126 …Talbot Sus obras… Latticed Window (Ventana enrejada), es una imagen negativa obtenida con una cámara oscura, realizada con una de las diminutas cámaras de su construcción. La imagen de la ventana, realizada en agosto de 1835, con una pequeña cámara, mide 6,9x14,9 cm, y se encuentra en el Fox Talbot Museum, Lacock Abbey Collection, Wiltshire.

127 …Talbot Sus obras… Muestra botánica en un dibujo fotogénico, Fox Talbot Museum, Lacock Abbey Collection, Wiltshire.

128 …Talbot Sus obras… Capilla de St James, Windsor, Se trata de un calotipo. Fox Talbot Museum, Lacock Abbey Collection, Wiltshire.

129 32. André Kertész ( ) Nacido en Hungría, fue un fotógrafo de desnudos, documentales y reportajes. Realizó estudios comerciales y trabajó en la Bolsa de Budapest en Publica sus primeras fotografías sobre la Primera Guerra Mundial para el diario Erdekes Ujsag en 1917, que se perdería durante la Revolución húngara, un año más tarde. Tras la guerra, se marcha a París en 1925, y allí se relaciona con los grupos vanguardistas. Colabora, como fotógrafo independiente, con las revistas Art et Médecine, Bifur, Minotaure y Vu. La influencia vanguardista aparecerá en Distorsions (1933), serie de desnudos femeninos distorsionados por espejos. Con un carácter muy independiente en su trabajo, al tener complicaciones para vender su obra, decide emigrar a los Estados Unidos en 1936. Colaboró con la revista Harper´s Bazaar y con el grupo editorial Condé-Nast. Su trabajo se encuentra entre el reportaje social y el Constructivismo.

130 …Kertész Sus obras… Nadador bajo el agua, Esztergom, 1917, fue la obra más conocida de su periodo húngaro, la única fotografía que sobrevive de una serie que muestra nadadores cuya imagen es distorsionada por el agua. Está serie provocó que Kertész se interesara en distorsiones, lo que lo llevó a realizar una serie llamada "Distorsiones" a principios de los años 1930.

131 Sus obras… …Kertész Mondrian's glasses and pipe, 1926.Se trata de una especie de “bodegón” (por así llamarlo) en el que se ven unas gafas y una pipa de uno de los escultores a los que André le gustaba fotografiar. El fondo es blanco para resaltar la oscuridad de los objetos, al igual que la fotografía en sí tiene un fondo oscuro (como pasa en la mayoría de los bodegones).

132 …Kertész Sus obras… New york, Se trata de una fotografía de una veleta en forma de gallo, con Nueva York de fondo en un día de lluvia. La niebla existente en la ciudad en el momento de tomar la fotografía hace que ésta muestre una mayor gama de grises, blancos y negros, apareciendo de manera más clara los edificios del fondo, y notándose menos el contraste entre el cielo de la ciudad y la sombra de los edificios.

133 33. Walker Evans ( ) Fotógrafo dedicado a la arquitectura, el paisaje y el retrato nacido en EE.UU. Estudió literatura en la Sorbona entre 1926 y 1927 y conoció la obra de Paul Strand, que le hizo decidirse por la fotografía. A su regreso a EE.UU., se especializó en los temas cotidianos: arquitectura, espectáculos, paisajes y retrato. Trabajó para la Farm Security Administration entre 1935 y Ha sido ilustrador de libros: American Photographs , y Le tus now praise famous men (1941) (Elogiemos ahora a hombres famosos, traducción al español de 1993), con texto de James Agee. Ha realizado series sobre el “metro” neoyorquino (1938) y las transformaciones en las grandes ciudades americanas (1950). Colaboró con Fortune ( ) y Time ( ). En 1994, el Metropolitan Museum de Nueva York adquirió sus archivos.

134 Sus obras… …Walker EvansObras del edificio Lincoln, East 42nd Street y Park Avenue, Colección particular Walter Evans Archive, The Metropolitan Museum of Modern Art. El recorrido comienza con una generosa selección de sus primeras fotografías, tomadas con una Leica en Nueva York en el tema moderno de la ciudad, introducido por Baudelaire, recorre su obra a través de escenas sencillas que prescinden de adjetivos. Presenta ángulos inéditos en la época y sorprendentes puntos de vista que muestran su interés por las posibilidades de la abstracción geométrica. Evans inscribe la mayoría de sus proyectos fotográficos en la exploración del tejido urbano y la acumulación de signos.

135 Sus obras… …Walker EvansFamilia cubana sin hogar, Gelatina de plata. Copia de época 13.8x22.7cm. Walter Evans Archive, The Metropolitan Museum of Modern Art. Aborda la calle desde el punto de vista del transeúnte en el notable reportaje que realiza en La Habana en mayo de 1933 para ilustrar The Crime of Cuba, de Carleton Velas. Describe a la perfección tanto el espectáculo social como la vitalidad de las grandes ciudades. Una imagen especialmente conmovedora de una madre sin hogar con sus tres hijos testimonia la dura realidad social que el dictador Machado había impuesto a sus ciudadanos. Aquí, en la humanidad destrozada por la opresión política, Evans capturó las primeras imágenes de pobreza y desesperanza que caracterizarían su trabajo posterior en el sur de Estados Unidos.

136 Sus obras… …Walker EvansDetalle de señal, St. Martin, Indias Occidentales Francesas, Colección particular Walter Evans Archive, The Metropolitan Museum of Modern Art. A pesar de su desconfianza hacia la eficacia pictórica del color, en la última fase de su carrera (desde finales de los cincuenta hasta su muerte en 1975) la fotografía en color se convierte, sorprendentemente, en eje central de su trabajo y en una nueva lente a través de la que investigar sus intereses. La recién lanzada Polaroid SX-70 (1974) ofrecerá a un fotógrafo de salud débil una gratificación fotográfica instantánea, en la que el duro trabajo del cuarto oscuro podía ser suprimido por completo. En sus instantáneas persisten los temas que le obsesionaron a lo largo de toda su carrera. En las fotografías de letreros, los colores chillones pueden ser nuevos, pero la fragmentación y el lenguaje provocativo y con doble sentido permanecerán fieles a la iconografía vital de Evans.

137 34. Michael Yamashita (1949) Michael Yamashita nació en San Francisco y creció en Montclair, Nueva Jersey, en las afueras de la ciudad de Nueva York. Se licenció en la Universidad Wesleyan de Connecticut en 1971 con un diploma en Estudios Asiáticos y después pasó siete años en Asia. Pese a no tener una formación académica en fotografía, Yamashita logró convertir sus dos pasiones y aficiones, fotografía y viaje, en una sólida trayectoria profesional. Colaborador habitual de National Geographic Magazine desde 1979, sus trabajos se han centrado en Asia. La especialidad de Yamashita ha sido «seguir las huellas» del hombre y del paisaje. The Ghost Fleet (La Flota Fantasma), un documental narrado por Yamashita y basado en su trabajo fotográfico sobre la mayor flota de barcos de madera de todo el mundo y su almirante Zheng He, ganó el premio al Mejor Documental Histórico en el Festival Internacional de Cine de Nueva York. Ha recibido diversos premios, entre otros, el de Fotos del Año de la National Press Photographers Association y los otorgados por el Art Directors Club de Nueva York, y la Asociación de Periodistas asiáticoamericanos. Cuando no viaja, Michael Yamashita vive con su familia en una zona rural de Nueva Jersey, donde tiene su estudio y es bombero voluntario.

138 …Yamashita Sus obras… La Gran Muralla China es posiblemente la mayor obra de ingeniería civil de la historia. Su construcción se remonta a la Dinastía Qin (alrededor 208 a.C) y no finaliza hasta 1800 años después, cuenta con una longitud de más de 4000 millas. Michael Yamashita, galardonado fotógrafo de National Geographic, ha recopilado ciento sesenta magníficas fotografías de la Muralla y sus alrededores. Michael realmente se supera a sí mismo cuando aborda temas de personajes históricos. Tiene la habilidad de crear imágenes contemporáneas que conectan con el pasado. Esta foto es una de sus grandes obras, ofreciendo una buena vista de la muralla con un fondo espectacular de montañas.

139 …Yamashita Sus obras… Se trata de una de las fotos que Michael tomó durante su trabajo sobre la ruta de Basho. Esta concretamente es, para mi forma de ver, una fotografía excepcional, que muestra unas ramitas con el sol de fondo, un sol naranja intenso de atardecer que se funde con un cielo de colores violetas. El contraste entre el cielo y su sol es increíble, y los colores son totalmente compatibles, a la par que llamativos.

140 …Yamashita Sus obras… Como la anterior, esta es una foto perteneciente a su trabajo sobre la ruta de Basho. En este caso, Michael nos muestra un arrozal y, a lo lejos, un trabajador. Se trata de un paisaje en el que los únicos colores protagonistas son los azules y los grises, teniendo en cuenta los negros de las sombras.

141 35. Steve Mccurry (1950) Nacido en Filadelfia en 1950, está considerado uno de los mejores fotógrafos del mundo. Es mundialmente conocido por su gran habilidad artística y su vocación de documentalista. Cursó estudios de cine e historia en la Universidad del Estado de Pennsylvania y, después de graduarse con matrícula en 1974, empezó su carrera como fotógrafo en un periódico situado en King of Prussia, un barrio de su Filadelfia natal. Cuatro años después, se lanzó a trabajar como fotógrafo freelance, viajando a la India y Nepal, y abandonó el mundo del periódico para pasarse a la fotografía en color. Su objetivo era realizar reportajes geopolíticos para otro medio distinto: las revistas. Al principio, los encargos le llegaron poco a poco, pero enseguida se situó en primera línea del escenario mundial. En 1980 cubrió la guerra para Time y le fue concedida la prestigiosa Medalla de Oro Robert Capa por el mejor reportaje fotográfico en el extranjero, por su coraje y su empeño excepcionales. Fue entonces cuando McCurry inició su relación con National Geographic, que le facilitó los medios y el tiempo necesario sobre el terreno para realizar reportajes en profundidad. En 1986 se convirtió en miembro de la agencia fotográfica Magnum. McCurry vive actualmente en Nueva York. Cubrió los trágicos sucesos en su ciudad natal tras el atentado al World Trade Center el 11 de septiembre de Las fotografías de McCurry se exhiben en las colecciones de los museos más importantes del mundo.

142 …McCurry Sus obras… Fue en 1984 cuando realizó la toma: el rostro de una muchacha afgana en el campamento de refugiados de Nasir Bagh en Peshawar (Pakistán). Los ojos de la chica dieron la vuelta al mundo en la que fue la portada más sonada de National Geographic. Son estos ojos lo especial de la fotografía, de un color verde que llama la atención teniendo en cuenta el fondo en el que se encuentra la muchacha y los ropajes que utiliza. Sin duda sus ojos establecen el punto de atención en esta fotografía y el centro de ella. La fotografía sigue siendo una de las imágenes más carismáticas jamás tomadas. Ese año McCurry fue premiado por las asociaciones de fotógrafos con diversos galardones, incluidos el Fotógrafo de Revistas del Año, otorgado por la National Press Photographers’ Association, y cuatro primeros premios en el World Press Photo Contest.

143 …McCurry Sus obras… Bombay, India Red Boy (Chico Rojo) durante el Holi festival. Steven Mccurry se caracteriza por ser un fotógrafo del alma más que de el físico. Así, observando sus fotos, podemos saber qué es lo que sienten estas personas fotografiadas. En cuanto al análisis artístico, la foto llama la atención debido a su colorido, resaltando los ojos del muchacho con respecto al rojo de su piel, convirtiendo a estos ojos en el centro de la fotografía.

144 Bombay, India. 1996. Red Boy (Chico Rojo) durante el Holi festival.…McCurry Sus obras… Steve McCurry tiene una forma de hacer fotografía en la que utiliza a menudo las imágenes de personas y generalmente de niños. Como ésta de un niño latino apuntándose a la cara con una pistola. Si observáis la mayoría de sus fotos, se aprecia en muchísimas de ellas que el centro de interés de la misma (un rostro, una zona del encuadre, etc.) está especialmente iluminada o tiene una luz más acentuada que provoca que el espectador dirija su atención precisamente a ese punto.

145 36. Walter Elias Disney (1901-1966)Fue un dibujante, productor, y director de dibujos animados nacido en Chicago, Estados Unidos, el 5 de diciembre de 1901. Abandonó la escuela a los 16 años; después estudió durante breves periodos, en escuelas de arte en su ciudad natal y en Kansas City, Missouri. En 1923 comenzó a producir dibujos animados en Hollywood, asociado con su hermano Roy O. Disney. En 1928 apareció su primer personaje famoso, el ratón Mickey, y también fué el inicio del cine sonoro en los dibujos animados. Introdujo el color en Árboles y flores en 1932; creó al pato Donald en 1934 y pasó al largometraje con Blancanieves y los siete enanitos (1937), el primero de dibujos animados de la historia. En las décadas de 1950 y 1960 Walt Disney Productions se convirtió en una de las mayores productoras cinematográficas. La compañía abordó la publicación de literatura infantil y comics y en 1955, Walt Disney Productions inauguró un parque gigantesco, Disneylandia, en Anaheim, California. Entretanto la compañía abordó la producción de documentales y también a comienzos de los cincuenta películas de aventuras con actores reales. A lo largo de su carrera, Walt Disney ha recibido 26 oscars.

146 Sus obras… …Walt DisneyBlancanieves y los siete enanitos marcó en su época varios hitos esenciales desde el punto de vista técnico y artístico: fue el primer largometraje de dibujos animados de la historia del cine y esto revolucionó la exhibición cinematográfica, habida cuenta de que hasta la fecha de su estreno (21 de diciembre de 1937) sólo se proyectaban cortos como complemento de las películas de imagen real; supuso un desarrollo espectacular de las todavía incipientes técnicas del technicolor; e introdujo un nuevo sistema de trabajo que ha influido de manera decisiva en todas las películas de animación posteriores y que fue el multiplano.

147 Sus obras… …Walt DisneyComo muchas películas de Disney, La Bella y la Bestia (1991)se basó en un cuento clásico. Pero lo clásico no se combinó con lo innovador sólo en el aspecto técnico (coexistencia de las técnicas clásicas de animación con los últimos avances de la informática, como puede apreciarse en la espectacular escena del baile del salón entre Bella y Bestia) sino también en el tratamiento de la historia, audazmente concebida como un filme real y no animado. Esto significó dotar a la historia de un ritmo distinto al habitual en las producciones de dibujos animados, basado más en los estados de ánimo de los personajes que en sus acciones, con secuencias más largas y una ambientación especialmente sombría en la primera mitad. Si Bella y Bestia sostienen la parte romántica y con mayor carga poética de esta historia, el contrapunto cómico lo ofrecen personajes como el candelabro Lumière, el reloj Ding Dong y la tetera Mrs. Potts. El conflicto dramático que da pie a las escenas de más acción lo crea el personaje de Gastón, el bello por fuera pero feo por dentro.

148 Sus obras… …Walt DisneyCon Toy Story (Juguetes), del año 1995, la compañía Walt Disney batió otro récord: producir el primer largometraje de animación realizado íntegramente con ordenador, lo que significa que todos los personajes y escenarios fueron creados con técnicas digitales. Aunque curiosamente se utilizó una cámara de principios de siglo para filmar las pruebas con el pincel, resulta obvio que el ordenador fue la principal herramienta de trabajo. En el filme aparecen setenta y seis personajes, pero solo dos de ellos son los grandes protagonistas: el vaquero Woody y el astronauta Buzz, o lo que es lo mismo, el viejo y el nuevo juguete.

149 37. Francisco Ibáñez Talavera (1936)Nacido en Barcelona el 15 de marzo de 1936, es un historietista español, perteneciente a la segunda generación o generación del 57 de la Escuela Bruguera. Creador de multitud de series humorísticas, como la popular Mortadelo y Filemón, muchas de sus series se perciben todavía en España como un icono esencial de varias generaciones y muchos otros dibujantes de cómic posteriores reconocen su gran influencia Ibañez se caracteriza por presentar una sucesión continúa de gags desde el principio hasta el final de la historia, de tal manera que en una viñeta se prepara el gag que se va a producir en la otra. Configura así un tipo de humor mucho más directo y explosivo, más propenso a la carcajada, que el de sus predecesores, como Peñarroya o Escobar. Un detalle gráfico muy recurrente en Ibáñez es la presencia de una o más telarañas con forma triangular en los rincones de las habitaciones, que podría interpretarse como una sutil pista para ayudar al lector a distinguir los rincones de las esquinas, algo nada despreciable considerando el monótono coloreado de los fondos. Las historietas tienen otra característica propia de Ibáñez: el humor del fondo de cada viñeta. Al fondo de la viñeta, ajenos a la acción principal, hay diversos elementos humorísticos. Así por ejemplo, nos podemos encontrar con una araña disfrazada, un ratón persiguiendo a un gato, una señal de prohibido aparcar camellos, etc.

150 Sus obras… …Francisco IbañezMortadelo y Filemón es una serie de historieta humorística creada y desarrollada por Francisco Ibáñez a partir de 1958, la más popular de las suyas, y probablemente de todo el medio en España. Adscrita habitualmente a la escuela Bruguera, ha gozado además de multitud de adaptaciones a otros medios. Los personajes recurrentes de la serie son sus dos protagonistas, Mortadelo y Filemón, que son los que le dan nombre, y otros miembros de la T.I.A. (Técnicos de Investigación Aeroterráquea), como El Súper, su jefe; la secretaria de éste, de nombre Ofelia y el científico de la organización, el profesor Bacterio. Pueden destacarse, de todos modos, otra serie de personajes con mucha menos tradición, incluyendo la peculiar galería de villanos.

151 Sus obras… …Francisco Ibañez13, Rue del Percebe. La primera página fue publicada en la revista Tío Vivo el 6 de marzo de 1961 y pronto adquirió enorme popularidad por su estructura novedosa e inusual. Es en apariencia una serie de chistes casi siempre aislados e independientes, con personajes fijos, encasillados en su papel inmutable y sólo unidos por el edificio donde habitan. Ello permite al lector leer la página en el orden que desee, claramente no lineal, aunque a menudo un hecho afecta a más de una viñeta-vecino o a la página entera de modo que en ocasiones la secuencialidad de lectura es dirigida, aumentando así el efecto cómico. La facilidad de lectura de este tebeo, la interminable repetición de los mismos problemas con diferentes detalles, la familiaridad que se crea con los personajes a lo largo de la lectura dispersa de cada página a pesar de que, objetivamente, la mayoría de los chistes son muy simples, así como una ausencia de lectura lineal hacen de este tebeo un caso único y especialmente atractivo a un nivel inconsciente que pocas otras historietas pueden igualar.

152 Sus obras… …Francisco IbañezRompetechos es un personaje ficticio de historieta de Francisco Ibáñez. Ibañez ha manifestado en repetidas ocasiones que, entre los suyos, es su personaje favorito y debido a esto suele aparecer muy a menudo en otras series de Ibáñez, aparte de la suya propia. Tuvo su propia emisión de sello en España. Rompetechos es cabezón, bajito, miope y despistado, siendo su nombre una ironía sobre su escasa altura. Las historietas nos cuentan la vida de este personaje en la que se suceden situaciones graciosas provocadas por su falta de visión. El esquema habitual de una historieta de Rompetechos suele ser el siguiente: El personaje tiene la necesidad de hacer o comprar algo, por lo que empieza a ir de un lado a otro provocando multitud de desastres debido a que su falta de visión le hace confundirlo todo. Si lo que intenta es comprar algo invariablemente leerá mal todos los carteles y luego tendrá un diálogo surrealista con el empleado de la tienda. En estos casos Rompetechos usualmente agrede verbalmente a aquellos que él piensa que le están tomando el pelo. Finalmente, la situación termina haciéndose insostenible y acaba de forma violenta.

153 38. Maurits Cornelis Escher (1898-1972)Maurits Cornelis Escher fue un artista holandés nacido en los Países Bajos en 1898, conocido por sus grabados en madera, xilografías y litografías que tratan sobre figuras imposibles, teselados y mundos imaginarios. Su obra experimenta con diversos métodos de representar espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación. Entre 1922 y 1935 se traslada a Italia donde realiza diversos bocetos y grabados principalmente de temas paisajísticos. También viaja a España, y en particular a Granada. Visita dos veces la Alhambra, la segunda vez de forma más detenida, copiando numerosos motivos ornamentales. Lo que aprendió allí tendría fuertes influencias en muchos de sus trabajos, especialmente en los relacionados con la partición regular del plano y el uso de patrones que rellenan el espacio sin dejar ningún hueco. En 1941 se muda a Baarn (Países Bajos), y a partir de 1951 comenzó a vender sus grabados y obtener un buen dinero por ellos. Esto le permitió vivir sus últimos años con una economía personal excelente. Generalmente hacía copias de las litografías y grabados por encargo. También hizo por encargo diseños de sellos, portadas de libros, y algunas esculturas en marfil y madera. En 1970 se traslada al norte de Holanda, donde los artistas podían tener estudio propio. En esa ciudad fallece dos años más tarde, en 1972, a la edad de 74 años.

154 …Escher Sus obras… Naturaleza muerta con espejo esférico es una litografía realizada en 1934 en la que, por primera vez, el autor se autorretrata reflejado en un espejo esférico (en realidad una botella con fondo esférico). Mide 28,6 cm de alto por 32,6 cm de ancho. El dibujo está realizado sobre un fondo negro sobre el que emergen únicamente cuatro elementos: un libro, un periódico, una estatua que representa un ave oscura con cabeza humana y la esfera reflectante. En el reflejo de la esfera aparece representado Escher realizando el dibujo que se ve en la obra.

155 …Escher Sus obras… Metamorphosis II es un grabado en madera a tres colores en forma de tira realizado en Sus medidas son 19.5 cm por 4 metros. Este dibujo muestra una serie de figuras que se deforman para formar otra, que a su vez se deforma para formar otra hasta que al final se regresa al dibujo inicial.

156 …Escher Sus obras… Waterfall, litografía realizada en Se trata de una de sus obras más famosas en la que viola las reglas de la perspectiva para plantear una paradoja visual. El elemento principal de este dibujo de 37,8 x 30,0 cm. es un acueducto zigzagueante por el que el agua parece fluir alejándose hacia el fondo de la figura para, de repente, precipitarse por una cascada que vierte sus aguas en su mismo comienzo completando un ciclo infinito e imposible. El agua de la cascada sirve, además, para impulsar la rueda de un molino de manera que el conjunto entero constituye un móvil perpetuo. Esto subraya el carácter paradójico de la obra extendiéndolo, más allá del ámbito geométrico, al de la Hidrodinámica. El entorno en el que se inserta este conjunto de construcciones es surrealista, la figura principal se recorta sobre el contorno tenue de la ladera de una montaña recortada en bancales. Se observan, además, dos figuras humanas, una mujer que tiende ropa y un hombre que observa la escena. Existe, además, un jardín con unas plantas que parecen corales y algas desproporcionadas.

157 39.Pedro Almodóvar (1949) Nacido en Cuidad Real, España, en 1949.A los 17 años llega a Madrid y Trabaja durante 10 años como administrativo en la compañía Telefónica Nacional de España. Desde finales de los 7 escribe guiones para historietas gráficas y colabora en revista alternativas. Pasa a formar parte del grupo de teatro independiente Los goliardos y rueda películas artesanales en super-8, con un carácter muy personal, entre las que destaca Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón 1980. Su periódo de aprendizaje se extiende a lo largo de una trilogía de irregulares comedias urbanas siempre basadas en atractivos guiones suyos llenos de brillantes ideas y prometedores comienzos, pero mal desarrolladas a niveles dramáticos. La ley del deseo 1987 se sitúa entre sus mejores trabajos y le convierten en uno de los realizadores más populares de la década de los 80. Consigue un gran éxito internacional con Mujeres al borde de un ataque de nervios 1988. Consigue gran éxito y múltiples premios internacionales, entre ellos el Oscar a la mejor película no inglesa, con su particular melodrama femenino Todo sobre mi madre 1999.

158 Sus obras… …Almodóvar Mujeres al borde de un ataque de nervios, (1988)El arte queda supeditado a la teatralidad de la cinta, donde actores, diálogos y decoración recuerdan al teatro clásico español. El resto es una mezcla de diseño industrial aderezado en su decoración con el kitsch y alguna serigrafía de Andy Warhol.

159 …Almodóvar Sus obras… En tacones lejanos (1991) el arte es una explosión colorista en todos los aspectos. Almodóvar lleva a su obra su propia concepción del arte, el color inunda todas las paredes, los muebles, los objetos decorativos y los escenarios. El pop y el kitsch tienen aquí una pequeña representación en las raíces populares y artísticas de los protagonistas.

160 Sus obras… …Almodóvar Todo sobre mi madre, 1999.En esta película Almodóvar crea un universo colorista y contemporáneo, igual que sus personajes. Se puede observar también un mundo warholiano de características hispanas, al igual que muebles de diseño único. Las escenas, algunas verdaderas obras pictóricas, como las marinas, revelan una mirada impresionista de la escuela catalana. La decoración de interiores deja paso a la identificación social de los personajes. Podemos encontrar papeles pintados geométricos, cocinas coloristas, sillas de enea, objetos decorativos populares; mostrando un contrapunto de muebles modernos y funcionales en algunos casos. De esta manera, el modernismo catalán se mezcla con la vanguardia.

161 40. Tim Burton (1958) Timothy "Tim" William Burton, nacido en Burbank, California, el 25 de agosto de 1958, es un director, productor, escritor y diseñador estadounidense. La mayoría de sus películas se han caracterizado por la presencia de mundos imaginarios donde suelen estar presentes elementos góticos y oscuros, cuyos protagonistas suelen ser seres inadaptados y enigmáticos. Este sello de identidad se hace patente en sus películas. Desde que dirigió su primer largometraje (La gran aventura de Pee-Wee) en 1985, ha pasado a dirigir y producir numerosas películas, algunas de ellas han sido notablemente premiadas. A menudo trabaja con su amigo íntimo Johnny Depp, el músico Danny Elfman y su compañera sentimental Helena Bonham Carter. El 15 de marzo de 2010 Tim recibió la Medalla de la Orden de la Artes y las Letras de Francia.

162 …Tim Burton Sus obras… Pesadilla antes de navidad, El complicado proceso de gestación del filme se alargaría durante casi tres años debido a la enorme dificultad que suponía llevar a cabo un rodaje de casi hora y media de duración realizado íntegramente mediante la técnica stop-motion (animación fotograma a fotograma con muñecos reales) que es una de las grandes pasiones de Burton desde su infancia, así como una de las grandes constantes en todos sus filmes y cortometrajes. Para Burton, la stop-motion era la técnica idónea con la que dotar al filme de un ambiente dominado por el aspecto artesanal, una forma de trabajo olvidada por completo en el tecnificado cine actual.

163 …Tim Burton Sus obras… En Charlie y la fabrica de chocolate Tim Burton evitó utilizar demasiados efectos digitales porque quería que los jóvenes actores se sientieran como si estuvieran trabajando en un entorno realista. Como resultado, las técnicas de perspectiva forzada, objetos de gran tamaño y modelos a escala se utilizaron para evitar imágenes generadas por ordenador (CGI). En esta película abunda el colorido y los paisajes y lugares imaginarios, propios de la mente de los niños, adentrando al espectador en mundos maravillosos formados por materiales comestibles. Así se pueden apreciar en la película ríos de chocolate, manzanas de caramelo en forma de flores o sombrillas en forma de piruleta.

164 …Tim Burton Sus obras… En Alicia en el País de las Maravillas (2010), poco es lo que se ha colocado enfrente de la cámara, ya que la mayor parte de las imágenes que vemos son fruto del ordenador y de los efectos especiales. Exceptuando las escenas iniciales y las finales, el resto de la producción se filmó íntegramente frente a las pantallas verdes de los Culver Studios de Sony en California. Vuelve a abundar el colorido en esta película, aunque los paisajes son mas reales y los personajes creados la mayoría a ordenador. Esta adaptación de Alicia en el país de las maravillas es terrorífica y oscura comparada con la de Disney, sello éste de Tim Burton.

165 BIBLIOGRAFÍA Diccionario de Arte “Ian Chilvers, Herold Osborne y Dennos Farr”. Alianza Editorial. Clásicos del Arte. La obra pictórica completa de Botticelli. Ed. Noguer, S.A. Barcelona-Madrid. Clásicos del Arte. La obra pictórica completa de Claude Monet. Ed. Noguer, S.A. Barcelona-Madrid. Clásicos del Arte. La obra pictórica completa de El Bosco. Ed. Noguer, S.A. Barcelona-Madrid. Clásicos del Arte. La obra pictórica completa de El Greco. Ed. Noguer, S.A. Barcelona-Madrid. Clásicos del Arte. La obra pictórica completa de Velázquez. Ed. Noguer, S.A. Barcelona-Madrid. Clásicos del Arte. La obra pictórica completa de Zurbarán. Ed. Noguer, S.A. Barcelona-Madrid. Clásicos del Arte. La obra pictórica completa de Poussin. Ed. Noguer, S.A. Barcelona-Madrid. Enciclopedia del Arte. Ediciones Rueda. Diccionario Oxford-Complutense. Arte del siglo XX. Colección “La era de los impresionistas”, Cézanne. Edición Globos. Colección “La era de los impresionistas”, Sisley. Edición Globos. Van Gogh, Herold Gardiner. Edición Iberlibro. Goya. Obra, vida, sueños… , José Manuel Pita Andrade. Ed. Sílex. Declaración de las pinturas de Goya, José Manuel B. López Vázquez. Ed. Diputación Provincial de A Coruña. La historia del Arte, Editorial Blume. Bachillerato Andalucía / Historia del Arte, Jesús Palomero Páramo. Ed. Algaida. El cine de animación en más de 100 largometrajes, José Moscardó Guillén. Alianza editorial. Pedro Almodóvar, Antonio Holguín, tercera edición aumentada. Cátedra, signo e imagen/cineastas. Tim Burton, Marcos Marcos Arza, tercera edición actualizada. Cátedra, signo e imagen/cineastas. Historia general de la fotografía. Marie-Loup Soguees (coord.), Mª de los Santos García Felguera, Helena Pérez Gallardo y Carmelo Vega. Manuales arte Cátedra. Diccionario de Historia de la Fotografía, Marie-Loup Soguees y Helena Pérez Gallardo. Cuadernos arte Cátedra. Wikipedia.