1 El Renacimiento Español

2 LA ARQUITECTURA Los mecenas españoles, serán las grandes familias nobiliarias, los Fonseca, los Dávila o los Mendoza, junto con la monarquía, la recién instaurada monarquía hispánica de los Austrias, que protegerá a los artistas e impulsará la realización de obras de arte de gran embergadura, sobre todo en arquitectura.

3 Esculpida con una gran riqueza iconográfica, motivos vegetales, animales fantásticos, esfinges, bichas y otros animales que se distribuyen a lo largo de los muros y arcos de la escalera; destaca también por su clasicismo y el aprovechamiento de tan escaso espacio.

4 Se divide en tres cuerpos por encima de dos arcadas, en el primero aparece un medallón con los Reyes Católicos y una inscripción en griego, en el central se encuentra el escudo imperial de Carlos V, y en el superior se halla la figura del Papa con dos cardenales; se trata de una fachada muy decorada, que recuerda a un retablo, con calles y cuerpos, con medallones, escudos, motivos heráldicos, remates en crestería, decoración calada imitando a una cresta, con elementos ornamentales que imitan candelabros u otros elementos constructivos, arquitectónicos o simplemente abstractos, con grutescos, etc.

5 Uno de los más bellos ejemplos de plateresco, está concebida como portada-retablo formando un arco de triunfo bajo cuya bóveda de medio cañón se despliega la abundante decoración característica del estilo; en su centro se representa el martirio de San Esteban y por encima un Calvario.

6

7 Tres cuerpos con gran número de elementos decorativos, frontón con las armas imperiales y galería tradicionalmente española; sus arcos de medio punto, las columnas corintias adosadas y los frontones semicirculares en los vanos suponen una evolución hacia normas de más claridad y clasicismo.

8 Edificio de fuerte geometrismo, con planta cuadrada en torno a un patio central también cuadrado con torres angulares; la fachada muestra gran horizontalidad, con tres cuerpos, que rematan en balaustrada; entre elementos típicamente renacentistas, citamos los frontones de las ventanas, los arcos de medio punto, los sillares almohadillados, y la decoración con escudos.

9 Puerta de acceso a la ciudad de Toledo en la muralla, con la entrada está flanqueada por dos torres y la decoración, a base de frontones y sillares almohadillados, está presidida por un gran escudo heráldico del emperador.

10

11 Representa la introducción del clasicismo italiano en la arquitectura civil española, el proyecto es originalísimo en el concepto, sobre todo por la inserción del patio circular porticado en el cubo externo y la armoniosa distribución de las fuerzas; la fachada tiene dos cuerpos, el inferior de sillería almohadillada con ventanas cuadradas y circulares y el superior con columnas adosadas y vanos adintelados, todo el conjunto remata en una enorme cornisa; se utiliza la superposición de órdenes, tanto en el patio como en el exterior, toscano en el cuerpo inferior y jónico en el superior.

12 Destaca la organización de su cabecera, como un enorme espacio central cubierto con una gran cúpula, al modo de los edificios funerarios de la época romana.

13 En el sistema de alzados se pueden observar referencias al arte de Filippo Brunelleschi con unos grandes pilares sobre cuyos frentes se apoyan medias columnas corintias, duplicando la altura de las naves con un segundo cuerpo de soportes sobre el entablamento del primero.

14 Sobresale también la portada del Perdón, concebida a modo de un gran arco de triunfo.

15 Tres naves separadas por pilares cruciformes con columnas y entablamentos corintios, con amplios arcos que soportan bóvedas baídas ricamente decoradas

16 Esta bóveda es una casquete esférico limitado por los planos verticales de las embocaduras. Se suele sujetar a las paredes adyacentes con estribos denominados pechinas. Debido a su planta cuadrada sirve para techar espacios cuadrados. Se caracteriza por definir arcos de medio punto en su encuentro con los planos verticales que la contienen. De hecho, si se seccionase por un plano horizontal tangente a los arcos laterales sólo quedarían cuatro triángulos esféricos que no son sino las pechinas que se utilizan para montar cúpulas sobre bases cuadradas. Bóvedas vaídas del coro de la Catedral de Jaén

17 San Salvador de Úbeda, capilla funeraria de D. Fco de los Cobos (Secretario de Carlos V), que comenzó a construirse bajo la dirección de Diego Siloé, sustituido cuatro años más tarde por Vandelvira, que incorporó las portadas laterales y la sacristía. Esteban Jamete (escultor) desarrolló la fachada principal del templo, con un mensaje escultórico alusivo a la muerte, la gloria familiar, al honor y a Cristo Salvador Esteban Jamete (escultor) desarrolló la fachada principal del templo, con un mensaje escultórico alusivo a la muerte, la gloria familiar, al honor y a Cristo Salvador Disposición armónica y proporcionada, basada en una amplia nave salón de tres tramos con capillas entre los contrafuertes, a la que se asocia una capilla mayor de planta circular cubierta con una cúpula de media naranja.

18

19 Las obras comienzan bajo la dirección de Juan Bautista de Toledo, pero muere en 1567 y será sustituido por Juan de Herrera, el auténtico artífice de El Escorial. Se caracteriza por el predominio de los elementos constructivos y la casi total ausencia decorativa, las líneas rectas y los volúmenes cúbicos, dominando las formas geométricas simples y la horizontalidad, rota únicamente por las torres de las esquinas y la cúpula de la basílica, de planta de cruz griega; en resumen, edificio monumental que representa la grandeza del Imperio español y de su rey. Complejo de San Lorenzo del Escorial, compuesto por palacio, Basílica y monasterio

20 Debe destacarse la fina sensibilidad de la Fachada Sur escurialense, tan superior a sus imitaciones del siglo XX en un tema tan difícil como es la repetición de tantas ventanas en un único lienzo.

21 Pese a su austeridad y aparente frialdad, el Monasterio de El Escorial fue un símbolo del salto entre una España medieval y otra moderna.

22

23 LA ESCULTURA

24 Es clave para entender el cambio estético que se ha producido en la corte. Se asume el concepto humanista de la muerte, significando no la idea medieval del triunfo de la muerte sino el triunfo sobre la muerte conseguido mediante la Fama, la cual hace perdurar el recuerdo del difunto mediante sus virtudes expresadas con una compleja simbología que permite la inmortalidad en este mundo. Se inspira en los modelos cuatrocentistas italianos como la tumba de Sixto IV, obra de Pollaiolo. La audacia militar de estos monarcas se representa en la base troncopiramidal sobre la que descansan a través de la representación de los santos guerreros San Jorge y Santiago

25 Magnífico estudio del natural hecho en barro cocido, en el que muestra un profundo conocimiento de la anatomía humana. El uso del barro cocido le permitió hacer un estudio perfecto de la anatomía de san Jerónimo, mostrando una musculatura y una piel características en un anciano. La fuerza expresiva se concentra en el rostro, realista en la plasmación del ascetismo. San Jerónimo se encomienda al Señor y dirige la mirada hacia la cruz, símbolo del sacrificio de Jesús de Nazaret para la redención de los hombres. La idea que Torrigiano quiere hacer llegar al espectador es la de que la penitencia es el camino correcto en la superación y ennoblecimiento del espíritu del creyente. Con esta escultura Torrigiano fijó la iconografía de san Jerónimo.

26 Su decoración tiene tondo central, entablamento, etc.; el difunto se representa vivo, sentado, leyendo y con los atributos propias de su cargo. La prolija decoración y la multiplicación de figuras alegóricas minimizan la figura serena y proporcionada del Obispo difunto, alejando a V de la Zarza de una verdadera comprensión de los valores espaciales renacentistas.

27 Relieves que narran la vida de Santa Eulalia, realizados en mármol de Carrara, en los que se muestra claramente la influencia de Miguel Ángel.

28 Carlos I mandó en 1519 ejecutar los sepulcros de sus padres en la Capilla Real El cuerpo inferior posee las paredes rectas decoradas con estatuas, con nichos y grandes medallones. En la parte superior, los difuntos yacentes sobre un sarcófago exento rodeado de decoración figurativa.

29

30 La interpretación que hizo de San Juan es una de sus mejores creaciones, de correcto desnudo y cabeza con cabellos agitados por el viento. Recoge el momento en que van a cortar la cabeza del santo a petición de la adúltera Herodias.

31 Sobresale por su calidad y belleza, el grupo, formado por la Virgen, San José, San Juanito y el Niño, está compuesto a la manera de las “sagradas conversaciones” italianas.

32

33

34 juega con las posturas de los personajes y las composiciones de plegados en los ropajes en su búsqueda de movimiento y expresionismo, además de que realizará un magnífico estudio psicológico de las emociones humanas.

35 Grupo escultórico en madera policromada, de gran patetismo, mostrando el dolor físico y espiritual a través de los rostros y los gestos de las figuras, que actualmente se halla en el Museo de Escultura de Valladolid; se trata de una composición bien ordenada, con San Juan y la Virgen en el centro y a los lados figuras que actúan de paréntesis, Cristo se encuentra yaciente.

36 Verdadero anuncio de la tendencia barroca de crear imágenes que muevan a la devoción al espectador

37 En el 3er tercia del Siglo XVI se produjo una reacción clasicitas que se constatará en la obra de los Leoni y sus trabajos para los Austrias.

38

39

40 LA PINTURA

41 Pedro Berruguete Todos los retratos de Federico lo muestran desde su perfil izquierdo (Recordar P Della Francesca). Durante una de sus primeras campañas perdió el ojo derecho y le quedó además una gran cicatriz. Por esto dejaba retratar solamente su «lado bueno». El retrato de Berruguete, muestra al prócer sentado y de perfil, vestido con armadura y con el yelmo a los pies, leyendo un libro y acompañado de su hijo Guidobaldo, es un ejemplo elocuente de su actitud.

42 Pedro Berruguete Muestra a un hombre, aún joven, tocado con gorro y peinado de influencia italiana renacentista, país donde residió entre 1473 y 1474. Tras su regreso a Castilla, su arte evoluciona y se presenta como la culminación del gótico en su fuerte expresividad, pues aunque represente a sus retratados con un acentuado humanismo, destaca en sus obras la sensación de realidad. Tras su regreso a Castilla, su arte evoluciona y se presenta como la culminación del gótico en su fuerte expresividad, pues aunque represente a sus retratados con un acentuado humanismo, destaca en sus obras la sensación de realidad.

43 Pedro Berruguete El pintor nos presenta a Santo Domingo vestido con el hábito de su Orden.. Rodean al santo otros jueces, uno de los cuales porta el estandarte de la Inquisición. Al fondo de la grada inferior, varios hombres, sentados o de pie, dialogan entre sí totalmente ajenos al drama humano que se está desarrollando ante sus ojos. Hay quien llega incluso más lejos en su actitud de despego e indiferencia ante los hechos, como es el Inquisidor del centro, que el pintor nos muestra -no sabemos si guiado por un afán naturalista - plácidamente dormido con la cabeza apoyada en el respaldo de la grada En la parte inferior derecha aparecen los condenados, dos de ellos en la hoguera, y otros dos tocados con corozas y cubiertos por sus respectivos sambenitos, en los que se lee "condenado herético", que esperan su turno custodiados por soldados.

44 refleja perfectamente las influencias de Leonardo Da Vinci, en esta Santa Catalina, cuadro sobre tabla con una estética difuminada y aterciopelada El Emperador Maximiano acudió a Alejandría para presidir una gran fiesta pagana. Catalina aprovechó esta ocasión para intentar la conversión del Emperador al cristianismo, lo que despertó su cólera. Para ponerla a prueba le impuso un debate filosófico con cincuenta sabios a los que trataría de convertir. Catalina lo logró, lo que provocó la ira del Emperador, que hizo ejecutar a los sabios, no sin proponerle antes a Catalina que se casara con uno de ellos, a lo que ella se negó rotundamente. El Emperador ordenó, entonces, que torturaran a Catalina utilizando para ello una máquina que tenía unas ruedas guarnecidas con pinchos. Milagrosamente las ruedas se rompieron al tocar el cuerpo de Catalina. Obstinado, Maximiano ordenó su ejecución y fue decapitada

45 Obra rafaelesca en los rostros e influida por Leonardo en la composición general de la obra.

46 Ecce Homo es una frase latina que se traduce como "este es el hombre" o "he aquí el hombre". Según el Evangelio de San Juan 19:5 son las palabras pronunciadas por el procurador Poncio Pilato cuando presentó a Jesús de Nazaret ante el pueblo, una vez flagelado, atado, con la corona de espinas y una caña como cetro, para que la muchedumbre diera un veredicto final sobre su persona, ya que Pilato no veía ningún motivo de condena.

47

48

49 Navarrete El Mudo, muestra el sentido colorista e impresionista de los venecianos, mediante una pintura suelta y de grandes efectos de luces y sombras que crean efectos dramáticos que se pueden ya considerar tenebristas, convirtiéndolo en precedente de la pintura barroca española. Tras una prédica, Santiago fue martirizado en Jerusalén (es uno de los primeros mártires cristianos) hacia el año 43, muerto a filo de espada por orden de Herodes Agripa I, rey de Judea.

50 San Lorenzo fue uno de los siete diáconos de Roma, ciudad donde fue martirizado en una parrilla en 258

51

52 Recoge el momento en que Dios Padre acoge a Su Hijo muerto, escena está cargada de tensión. Este momento indica al católico que la muerte de Cristo ha cumplido su objetivo: redimir a la Humanidad. La influencia más marcada en esta obra procede de Miguel Ángel en las figuras amplias y escultóricas; la composición parece, sin embargo, tomada de Durero. Pero también pone el maestro algo de su parte: el dramatismo de las figuras de los ángeles llorosos, el precioso escorzo del cuerpo de Jesús y el vibrante colorido, típico del Manierismo con esos naranjas, malvas y verdes amarillentos. El canon de belleza clásico, donde la cabeza es la séptima parte del cuerpo, es aumentado por el cretense, siendo sus figuras muy alargadas.

53 El Expolio de Cristo estaba destinado al vestuario de la sacristía catedralicia de Toledo, donde el despojo de las vestiduras de Jesús obtenía un gran valor simbólico. La figura de Jesús -envuelto en un amplio manto de color rojo que simboliza su martirio- preside la composición. A su derecha contemplamos una extraña figura con armadura renacentista -podía ser San Longinos, Pilatos o un centurión romano vestido a la moda de la época para referirse a la intemporalidad del mensaje- mientras que a su izquierda observamos a un sayón que horada la cruz, creando un marcado escorzo típicamente manierista. En primer plano contemplamos a las Santas Mujeres.

54 El cuadro está dividido en dos grandes zonas,: -por un lado en la parte alta se observa una zona celestial en donde aparecen Cristo, la Virgen, ángeles, santos y otros personajes ya fallecidos. -En la parte inferior, la terrenal, se representa un entierro rodeado de personajes, unos eclesiásticos y otros civiles. Luces de apariencia artificial El alargamiento de las figuras Figuras cortadas Figuras serpentinatas Estudio anatómico de los cuerpos Predominio del color en la composición frente a la línea Un cierto “Horro vacui” en la composición El movimiento

55 Se trata de un inquietante retrato de un hidalgo de identidad desconocida. Algunos lo reconocen como Juan de Silva, marqués de Montemayor y alcalde del Alcázar de Toledo. También el gesto que realiza ha sido muy discutido, sin que quede claro si se trata de arrepentimiento o de juramento. Sea cual fuere, llama la atención la manera de mirar al espectador, intensamente, como solicitando una respuesta. La golilla y la puñeta sirven para remarcar la expresión melancólica del rostro y el gesto naturalista de la mano. Retrato de busto, con las ropas de terciopelo oscuro que se estilaban en las Cortes madrileña y escurialense, adornado tan sólo por una cadena fina con una medalla, con el puño y la gola almidonada de encaje

56 La composición está desarrollada en espiral, creando un movimiento de ascensión. La distorsión extrema de los cuerpos caracteriza la Adoración de los Pastores como toda la obra tardía de El Greco. Los colores brillantes, «disonantes», y las formas y poses extrañas crean una sensación de maravilla y éxtasis, al celebrar los pastores y los ángeles el milagro del niño recién nacido. El Niño Jesús aparece envuelto en brillantez y blancura, lo que es un recurso tomado de los iconos, y parece emitir una luz que juega en los rostros de los pastores descalzos que se han reunido para rendir homenaje al nacimiento milagroso.

57 Doménikos nos presenta a Laocoonte derribado en el suelo, en fuerte diagonal, intenta sujetar la serpiente que va a morderle la cabeza; su hijo menor yace en el suelo, en un violento escorzo, mientras el hijo mayor agarra a la segunda serpiente para evitar la muerte. Las tres figuras destacan por su movilidad, encontrando ecos del Manierismo romano que El Greco conocía. La violencia y el dramatismo se adueñan de la composición, en una imagen sobrecogedora.

58