1 PINTURA S. XX LAS VANGUARDIAS PARTE III – 1ª

2 LAS VANGUARDIAS PRIMERA MITAD DEL S. XX

3 Se rompe con toda norma establecida y se entiende como una investigación permanente en que los artistas experimentan con nuevos materiales y nuevas técnicas, resultando, a la vez, cada vez más ininteligible y hermético para el público. La búsqueda de lo nuevo, de la ruptura, de la libertad se convierte en referencias fundamentales de los movimientos. De algún modo, se produce la creación de un nuevo lenguaje artístico al no concebirse la obra de arte como un “instrumento de representación de la naturaleza”, sino como un vehículo de creación abierta y permanente. Los nuevos movimientos son como estallidos, fragmentos cortos, rápidos, múltiples y simultáneos. Su corta duración hace que se encabalguen, pasando los artistas muchas veces de un movimiento a otro. se rechaza el pasado y se propugna la originalidad, la innovación y la fe en el progreso, tanto del arte como de la propia humanidad. Se propugna pues una nueva teoría del arte, su función y su papel en la sociedad. La forma llega a ser bella en sí misma y se separa de su función; en ella se llega a buscar una simple sensación visual evitándose toda referencia figurativa. El camino a la abstracción queda abierto. Estos movimientos tendrán, dentro de la libertad creativa personal, un cierto carácter teórico y grupal, es decir, los artistas de vanguardia asumen una conciencia de grupo. Muchas veces nos encontramos con autores cuya obra no encaja en los parámetros de una comunidad característica (Leger y el cubismo, Klee y el expresionismo). Junto a una redefinición del concepto de belleza surgirán dos posiciones básicas ante la obra: la que busca la respuesta a las preguntas del artista en la razón (racionalismo, neoplasticismo y, en parte, cubismo, con una visión en general optimista al valorar la capacidad racional del ser humano como clave para explicar su progreso moral y material, lo que augura un futuro mejor) y la que lo hace en la emoción (expresionismo, dadaísmo o surrealismo; El progreso humano sólo ha conducido a la barbarie de la guerra y la autodestrucción). El debate no será sino una prolongación del existente desde finales del XVIII entre clasicistas y románticos, aunque ahora planteado de una manera más conceptual. La reflexión sobre el propio concepto de arte sufre así un gran impulso y el debate teórico se convierte en un elemento de gran relevancia entre críticos y artistas.

4 EL EXPRESIONISMO O LOS EXPRESIONISMOS

5 Expresión es lo contrario a impresiónExpresión es lo contrario a impresión. La expresión es un movimiento del interior al exterior, es el sujeto quien se manifiesta en el objeto. Tiene una actitud volitiva, incluso agresiva. Es un movimiento realista, exige un compromiso del artista con el problema de la realidad que lo resuelve en el plano de la acción. Se excluye un compromiso con el simbolismo espiritualista basado en una experiencia extrasensorial. Es un arte comprometido con la situación social y política. Plantea el problema de la relación con la sociedad y, por tanto, el de la comunicación. El expresionismo tiene dos vertientes: los Fauves y Die Brüke (El puente). Ambos movimientos aparecen en torno a Su origen se encuentra en la tendencia anti-impresionista que se genera en el propio impresionismo como conciencia y superación de su carácter esencialmente sensorial y que se manifiesta en la obra de: Toulouse.Lautrec, Gauguin, Van Gogh, Munch y Ensor. Los planteamientos filosóficos de Bergson y Nietzche tuvieron gran importancia en el expresionismo. Ambos movimientos asumen su tradición nacional, pero tienen voluntad internacionalista. ambos movimientos marcaron la aparición del poder de la intuición y de lo emocional frente a la expresión plástica basada en el estudio calculado y teórico de la realidad. Pero aunque la estética pudiera parecer coincidente, hay algo que separa de manera destacada a los dos movimientos. A parte de la localización geográfica donde se desarrollan, la gran diferencia reside en el trasfondo filosófico de cada una de las tendencias. Los alemanes hicieron un uso intenso del color y de las formas más contundentes y expresivas para recubrir su inquietud metafísica y social, preocupaciones existenciales que se alejaban de los intereses meramente plásticos que movían a los fauvistas, cuyos temas eran intranscendentes.

6 TRES PRECURSORES: JAMES ENSOR, GEORGES ROUAULT Y EDVARD MUNCH

7 JAMES ENSOR Lo importante son sus primeros años, hasta 1900, después se domestica y es utilizado por la burguesía. Ataca a la sociedad de su época, descubriendo, tras la respetabilidad burguesa, los secretos del inconsciente “de clase”, el carnaval grotesco de la superstición y del vicio, el acuciante miedo a la muerte. Su espíritu caustico y su humorismo negro están en la tradición flamenca de Bosch y Breughel Su estilo incisivo deforma pero no transforma la pintura tradicional. Es la otra cara del Modernismo, a la pintura alegre, autocomplaciente y confiada de éste, opone la cara oscura y ceñuda. Fue de los primeros en investigar con la pintura las profundidades del inconsciente (antes de Freud). Utiliza disonancias estridentes, el signo (la línea) se libera del color y asume una propia, desquiciada y agresiva vitalidad. A veces llega, como en “La caída de los ángeles rebeldes, 1888” hasta la destrucción de la figura, hasta la rebelión de los signos frente a su obligación de significar.

8 OBRAS LA MÁSCARA ESCANDALIZADA, 1883TRIBULACIONES DE SAN ANTONIO, 1887 LA CAÍDA DE LOS ÁNGELES REBELDES, 1888 AUTORRETRATO CON MÁSCARAS, 1889 LA ENTRADA DE CRISTO EN BRUSELAS, 1888 – 89 ESQUELETOS QUE INTENTAN CALENTARSE, 1899 ECCE HOMO, 1891 EL TREATRO DE LAS MÁSCARAS, 1908 EL BANQUETE DE STARVED, 1915

9 LA MÁSCARA ESCANDALIZADA, 1883

10 TRIBULACIONES DE SAN ANTONIO, 1887

11 LA CAÍDA DE LOS ÁNGELES REBELDES, 1888

12 LA ENTRADA DE CRISTO EN BRUSELAS, 1888 - 89

13 AUTORRETRATO CON MÁSCARAS, 1889

14 PIERROT TRISTE, 1890

15 ECCE HOMO, 1891

16 ESQUELETOS QUE INTENTAN CALENTARSE, 1899

17 EL TREATRO DE LAS MÁSCARAS, 1908

18 EL BANQUETE DE STARVED, 1915

19 GEORGES ROUAULT A partir de 1907, Rouault comenzó una serie de cuadros dedicados a tribunales, payasos y prostitutas. Estas pinturas se interpretan en clave de crítica social y moral. Le atrajo el espiritualismo y el existencialismo dramático del filósofo Jacques Maritain, quien fue un amigo cercano durante el resto de su vida. Después de esto, se dedicó a los temas religiosos. La naturaleza humana centró siempre su interés En 1910, Rouault sus obras fueron estudiadas por los artistas alemanes de Dresde, que posteriormente formarían el núcleo del expresionismo. Desde 1917 buscó inspiración en los temas religiosos con un análisis moral y sujetas a la reflexión sobre la culpa y su salvación, con el tema de Pasión de Cristo , La faz de Jesús y los lamentos de las mujeres a los pies de la cruz son símbolos del dolor del mundo que para Rouault quedaba aliviado por la creencia en la resurrección. Al final de su vida quemó alrededor de trescientos de sus cuadros. OBRAS: CAMINO DEL CALVARIO, 1891 DOS PROSTITUTAS, 1906 ODALISCA, 1906 CRISTO ULTRAJADO, 1932 LA SANTA FAZ, 1933 EL REY VIEJO, 1937 HOMO HOMINIS LUPUS, 1948 NAZARET, 1948

20 CAMINO DEL CALVARIO, 1891

21 DOS PROSTITUTAS, 1906

22 ODALISCA, 1906

23 CRISTO ULTRAJADO, 1932

24 LA SANTA FAZ, 1933

25 EL REY VIEJO, 1937

26 HOMO HOMINIS LUPUS, 1948

27 NAZARET, 1948

28 EDVARD MUNCH, Es el que más influyó en el nacimiento del expresionismo, es el tipo visionario inspirado que prevé el destino trágico de la sociedad. Tiene la influencia de Ibsen, Strinberg y sobre todo de Kierkegaard, en especial en lo referente al sentido trágico de la vida. La palabra se convierte en grito y el color debe quemarse en su propia violencia. El color no está ligado a la sensación o la emoción visual, sólo quiere definir el estado de ánimo, el clima o la atmósfera de la imagen. También es importante la influencia del simbolismo, pero lo invierte, el símbolo no está fuera de la realidad sino dentro de ella. Sus primeros años son de lucha y enfrentamiento con la sociedad burguesa. Después, como Ensor, será asimilado por la burguesía. Pinta la enfermedad y la muerte, tristes y melancólicas escenas, como “Muchachas en el puente”, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida. En 1908 su estado de ansiedad alcanzó tal magnitud que hubo de ser hospitalizado. Después de su recuperación en 1909, su obra se vuelve más tranquila como se ve en el vigoroso y brillante colorido de sus paisajes. Aunque los últimos cuadros no son tan torturadores como sus primeros trabajos, su último autorretrato, “Entre el reloj y la cama, 1940”, marca una vuelta a la introspección de años anteriores.

29 OBRAS NIÑO ENFERMO, 1881-86 MELANCOLÍA O BARCA AMARILLA, 1891-92EL GRITO, 1893 ANSIEDAD, 1894 MUERTE EN LA HABITACIÓN DEL ENFERMO, 1895 CELOS, 1895 LA PUBERTAD, 1895 MUCHACHA EN LA ORILLA, 1896 EL BAILE DE LA VIDA, 1899 – 1900 MADONA, EL GOLGOTHA, 1900 MUCHACHAS SOBRE EL PUENTE, 1901 THE YELOW LOG, 1912 LLANTO DESNUDO, MURALES DE LA UNIVERSIDAD DE OSLO, 1910 – 16 (3 IMÁGENES) AUTORRETRATO DESPUÉS DE LA GRIPE ESPAÑOLA, 1919 AUTORRETRATO, ENTRE EL RELOJ Y LA CAMA,

30 EL NIÑO (NIÑA) ENFERMO, 1881 - 86

31 MELANCOLÍA O BARCA AMARILLA, 1891-92

32 EL GRITO, 1893

33 ANSIEDAD, 1894

34 MUERTE EN LA HABITACIÓN DEL ENFERMO, 1895

35 CELOS, 1895

36 LA PUBERTAD, 1895

37 MUCHACHA EN LA ORILLA, 1896

38 EL BAILE DE LA VIDA,

39 MADONA,

40 EL GOLGOTHA, 1900

41 MUCHACHAS SOBRE EL PUENTE, 1901

42 THE YELOW LOG, 1912

43 LLANTO DESNUDO,

44 AULA MAGNA, UNIVERSIDAD DE OSLO, 1910 - 16

45 AULA MAGNA, UNIVERSIDAD DE OSLO, 1910 - 16

46 AULA MAGNA, UNIVERSIDAD DE OSLO, 1910 - 16

47 AUTORRETRATO DESPUÉS DE LA GRIPE ESPAÑOLA, 1919

48 AUTORRETRATO ENTRE EL RELOJ Y LA CAMA, 1940 - 42

49 FAUVISMO VERSUS DIE BRÜCKEAmbos son artes europeos, universales, aunque parten de presupuestos nacionales. Bergson influyó en los fauves para quien la conciencia es la vida como continua animada comunicación entre el objeto y el sujeto. Un único impulso vital, intrínsecamente creador, determina la evolución del pensamiento y de los fenómenos. Nietzsche influyó en Die Brücke, para él la conciencia es la existencia entendida como voluntad de existir en lucha contra la rigidez de los esquemas lógicos, contra la inercia del pasado que oprime el presente y contra la total negatividad de la historia. Para los fauves la dicotomía histórica entre clásico y romántico se soluciona con un clasicismo originario y mítico, universal, pero falto de los contenidos históricos del clasicismo, Para Die Brücke la solución es un romanticismo entendido como condición profunda, existencial del ser humano, el ansia y la angustia de ser poseídos por la realidad a la que se enfrentan. Ambas corrientes intentan superar el pasado y romper con la dicotomía clásico –romántico y de la cultura nórdica – cultura latina, sustituyéndolas por un arte universal. Los fauves buscaran la belleza, el decorativismo, el hedonismo utilizando libremente colores puros contrastados, mientras el Die Brücke se centra en la crítica áspera y dura con la utilización de líneas fuertes y colores sucios.

50 FAUVISMO Pronto se convirtió en el grupo más experimental de París al proclamar la libertad de expresión a través del uso de los colores puros, la exageración del dibujo y las perspectivas forzadas. Aunque concebían la actividad artística como un impulso vital, el punto de partida fue la resolución de problemas puramente plásticos, como el uso del color en una función plástica y constructiva al mismo tiempo. Según Matisse, la pintura debía ser expresiva y no un mero reflejo de sensaciones pasajeras como había sido el impresionismo, dijo: “...lo que persigo es la expresión, no puedo distinguir entre mis sentimientos y la manera de expresarlos. La composición es el arte de arreglar de forma decorativa los elementos de que dispone el pintor para expresar sus sentimientos...” y "que fuera puro y sereno, que no presentara temas deprimentes y que sirviera a todo tipo de espectador como un descanso de la fatiga intelectual". De la obra de Gauguin aprendieron la libertad en el uso del color, que llevaron al extremo (los colores como cartuchos de dinamita, que diría Derain), así como la liberación del temperamento y el instinto personal. También admiraban la capacidad de síntesis y el sentido decorativo de la obra de Gauguin. Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión y no composición y orden. La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo; el desinterés por el acabado y sus colores chillones, fueron características del fauvismo

51 ARTISTAS FAUVES HENRY MATISSE, 1869 - 1954 ANDRÉ DERAIN, 1880-1954MAURICE DE VLAMINCK, PIERRE ALBERT MARQUET, RAOUL DUFY,

52 HENRY MATISSE, A menudo aludía al gozo que experimentaba al abandonarse al juego de las fuerzas del color y el diseño, y explicaba las formas rítmicas pero distorsionadas de muchas de sus figuras en términos de la revelación de una armonía pictórica total. Muchas de sus obras aluden a la música. El arte de Matisse es amable, de gran luminosidad, apacible, pero no por ello ingenuo, sino de gran virtuosismo e inteligencia. Sus ventanas se abren al silencio, y la luminosidad no provoca sombras, ni degradaciones, sino que se mantiene en un estado de plenitud y de serenidad que oculta el esfuerzo realizado. En sus obras vuelca la alegría de la meditación, exenta de inquietudes. Su obra es un resultado de orden, imaginación, disciplina y libertad. Propone un arte calmado que reconforte al hombre fatigado, que lo serene. Su espíritu domina sobre la obra. Su arte es un camino hacia la profundidad de sí mismo, llegados a esta meta, descubrimos el silencio. Matisse trabaja a base de amplias áreas de color, mostrándose con ello heredero de Gauguin. La pintura se hace presente a través del grumo y del empaste, sentimos la pintura como materia. La mancha plana de color provoca en nosotros un valor plástico y figurativo. Matisse construye sobre el color Su colorido es fluido y brillante y sus líneas ondulantes formando arabescos. Matisse dijo: “…yo alcancé el alarde luminoso. Lo que trato de lograr ante todo es la expresión... .”, “Mi sueño es un arte lleno de equilibrio, pureza, reposo, sin temas inquietantes, de alivio a lo intelectual...".

53 OBRA LUJO, CALMA Y VOLUPTOSIDAD, 1904MUJER CON SOMBRERO, 1905MUJER CON SOMBRERO, 1905 VENTANA ABIERTA, 1905 RETRATO DE LA RAYA VERDE, 1905 LA ALEGRÍA DE VIVIR, 1905 – 06 JUEGO DE BOLOS, 1908 ARMONIA EN ROJO, 1908 LA DANZA, 1909 – 10 PECES ROJOS Y ESCULTURA, 1911 PAISAJE VISTO DESDE UNA VENTANA, 1912 LA VENTANA AZUL, 1913 MARROQUÍES, LA LECCIÓN DE PIANO, 1916 LA LECCIÓN DE MÚSICA, 1917 FIGURA DECORATIVA EN UN ESPACIO ORNAMENTAL, 1926 ODALISCA ARMONÍA EN ROJO, 1926 DESNUDO EN ROSA, 1935 LA MÚSICA, 1939 LA BLUSA RUMANA, 1940 NATURALEZA MUERTA CON OSTRAS, 1940 ÍCARO, 1943 – 44 DECORACIÓN CAPILLA DE STA. MARÍA DEL ROSARIO EN VENCE, 1947 – 1951 (EL ÁRBOL DE LA VIDA) DESNUDO AZUL IV, 1952 LA PRENSA EL CARACOL,

54 LUJO, CALMA Y VOLUPTOSIDAD, 1904

55 MUJER CON SOMBRERO, 1905

56 VENTANA ABIERTA, 1905

57 RETRATO DE LA RAYA VERDE, 1905

58 LA ALEGRÍA DE VIVIR,

59 RECÍPROCO AMORE O AMOR EN LA EDAD DE ORO, ANIBALE CARRACCI, 1589 - 95

60 JUEGO DE BOLOS, 1908

61 ARMONIA EN ROJO, 1908

62 LA DANZA,

63 PECES ROJOS Y ESCULTURA, 1911

64 PAISAJE VISTO DESDE UNA VENTANA, 1912

65 LA VENTANA AZUL, 1913

66 MARROQUÍES,

67 LA LECCIÓN DE PIANO, 1916

68 LA LECCIÓN DE MÚSICA, 1917

69 FIGURA DECORATIVA EN UN ESPACIO ORNAMENTAL, 1926

70 ODALISCA ARMONÍA EN ROJO, 1926

71 DESNUDO EN ROSA, 1935

72 LA MÚSICA, 1939

73 LA BLUSA RUMANA, 1940

74 NATURALEZA MUERTA CON OSTRAS, 1940

75 ÍCARO,

76 POLINESIA, EL MAR, 1946

77 INTERIOR DE LA CAPILLA DEL ROSARIO (EL ÁRBOL DE LA VIDA), VENCE, 1950

78 DESNUDO AZUL IV, 1952

79 LA PRENSA

80 EL CARACOL,

81 ANDRÉ DERAIN, En 1905, junto con Maurice de Vlaminck y Henri Matisse, formó parte de los fauvistas. Después de 1908 comenzó a experimentar con otros estilos. La influencia de Paul Cézanne le llevó a una tendencia de colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. Su gran obra “Los bañistas, 1908”, supone un intento de combinar las innovaciones de pintores anteriores, como Claude Monet y Cézanne, en una síntesis global. En 1910 produjo obras geométricas, de influencia cubista como “El puente viejo de Cagnes” Sus últimas obras, posteriores a 1912, muestran la influencia de muchos estilos diversos, desde el arte francés clásico a la escultura africana, y una tendencia cada vez mayor hacia lo tradicional, caracterizada por un cambio en el colorido y una técnica extremadamente elaborada. De esta etapa de madurez destaca “Mesa de cocina, 1924”. OBRAS EL BAILES DE LOS SOLDADOS EN SURESNES, 1903 DANZA BÁQUICA, 1906 MUEJER EN CAMISA (BAILARINA), 1906 PUENTE DE CHARING CROSS, 1906 PUERTO DE LONDRES, 1906 LOS BAÑISTAS, 1908 EL PUENTE VIEJO DE CAGNES, 1910 LAS DOS MUJERES, 1913 MESA DE COCINA, 1924 LA SORPRESA, 1938

82 EL BAILES DE LOS SOLDADOS EN SURESNES, 1903

83 DANZA BÁQUICA, 1906

84 MUEJER EN CAMISA (BAILARINA), 1906

85 PUENTE DE CHARING CROSS, 1906

86 PUERTO DE LONDRES, 1906

87 LOS BAÑISTAS, 1908

88 EL PUENTE VIEJO DE CAGNES, 1910

89 LAS DOS MUJERES, 1913

90 LA MESA DE LA COCINA, 1924

91 LA SORPRESA, 1938

92 MAURICE DE VLAMINCK, En 1905, junto con André Derain y Henri Matisse, formó parte de los fauvistas. La obra de Vlaminck está muy influida por el colorido y la pincelada de Van Gogh. Realizadas con pigmentos puros e intensos, sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de “Árboles rojos, 1906”. Sin embargo, antes de que el fauvismo se agotara, en 1908, su obra —básicamente paisajes— se vuelve más suave en color y composición, como se refleja en las telas “La casa del pintor en Valmondois, 1920” y “El camino de la aldea, 1935” OBRA: HUERTA, 1905 RESTAURANTE EN MARLY-LE ROI, 1905 RETRATO DE MUJER, ÁRBOLES ROJOS, 1906 EL CIRCO 1906 FLORES, SINFONÍA DE COLORES, LA CASA DEL PINTOR EN VALMONDOIS, 1920 LA ENTRADA AL PUEBLO O EL CAMINO DE LA FRANCHEVILLE, 1922 EL CAMINO DE LA ALDEA, 1935

93 HUERTA, 1905

94 RESTAURANTE EN MARLY-LE ROI, 1905

95 RETRATO DE MUJER,

96 ÁRBOLES ROJOS, 1906

97 EL CIRCO 1906

98 FLORES, SINFONÍA DE COLORES, 1906 - 07

99 LA CASA DEL PINTOR EN VALMANDIOS, 1912

100 EL CAMINO DE LA ALDEA O LA ENTRADA AL PUEBLO O EL CAMINO DE LA FRANCHEVILLE, 1935

101 PIERRE ALBERT MARQUET, 1875-1947Durante un breve periodo perteneció a los fauves, pero tras ese periodo, Marquet se pierde entre las nieblas de un Hamburgo lleno de nuevos grises para él, que obligan a un dibujo fino y que será tan esencial en el futuro de este pintor. Suavizando paulatinamente su paleta y eliminando lo superficial en la composición. Siempre hacia la simplicidad, en sus últimos años, utiliza manchas de color certeras, con pinceladas precisas, sueltas y decididas, y solo algún trazo atrevido y concreto. Paisajista, aunque exploró otros géneros como el retrato. Tiene el poder de introducirte en sus cuadros y es un placer pasear por la ribera del Sena de sus comienzos o de los muelles y puertos que conoció en sus numerosos viajes por Europa y norte de África de la primera mitad del siglo pasado, donde refleja también la vida humana que en ellos transcurre. Mediante la luz, Marquet crea la atmósfera de sus cuadros. Logra transmitirnos sensaciones de ambientes cálidos, suaves, húmedos y puede incluso percibirse en el cuadro el encogimiento y desasosiego del frío intenso. Su paleta, de colores suaves y agradables, (dominó con maestría los verdes) consigue la armonía en sus tonalidades. En la composición , ordenada y equilibrada, abundan verticales y diagonales muy marcadas. OBRAS: EL PUERTO DE SAINT TROPEZ, 1905 14 DE JULIO EN EL HAVRE, 1906 PUERTO DE NÁPOLES, 1909 LA MUJER RUBIA, 1919 LA VENTANA DE LA GOULETTE, 1926 PUERTO DE SANJUAN DE LUZ, BARCOS AZULES, 1927 FIESTA EN SABLES D’OLONNE, 1933 LA PLAYA DE SABLES D’OLONNE, 1933 EL PUERTO DE ARGEL, 1943

102 EL PUERTO DE SAINT TROPEZ, 1905

103 14 DE JULIO EN EL HAVRE, 1906

104 PUERTO DE NÁPOLES, 1909

105 LA MUJER RUBIA, 1919

106 LA VENTANA DE LA GOULETTE, 1926

107 PUERTO DE SANJUAN DE LUZ, BARCOS AZULES, 1927

108 FIESTA EN SABLES D’OLONNE, 1933

109 LA PLAYA DE SABLES D’OLONNE, 1933

110 EL PUERTO DE ARGEL, 1943

111 RAOUL DUFY, Dufy ocupa un lugar importante en el Fauvismo, principalmente gracias a su descubrimiento de que el color puede ser tratado con independencia del dibujo. Pero la evolución de los fauves condujo a la creación de estilos personales diferenciados, de modo que, en su madurez, se alejó del fauvismo. Halló su originalidad en el color, franco y delicadamente expresivo, y en el movimiento, que podía producir con maestría gracias a su extraordinaria virtud de dibujante. Su técnica favorita fue la acuarela, pero en todas sus obras se advierte su tendencia al grafismo, a la caligrafía decorativa, al arabesco de la línea que evoca las estampas japonesas. fue un grafista que pintaba como un artista chino, escribiendo con la punta del pincel de modo tal, que el cuadro era para él una composición de signos antes que una arquitectura de formas. OBRAS: TRES SOMBRILLAS, 1906 14 DE JULIO, 1906 ÁRBOLES EN LA ESTAQUE, 1906 LA PEQUEÑA PALMERA, 1907 BAÑISTAS, 1908 VISTA DE SAINTE ADRESSE, 1924 CASAS Y CONSTRUCCIONES, PARÍS, TORRE EIFFEL. 1934 CORRIDA DE TOROS, 1949 LA CONSOLA AMARILLA CON VIOLÍN, 1949

112 TRES SOMBRILLAS, 1906

113 14 DE JULIO, 1906

114 ÁRBOLES EN LA ESTAQUE, 1906

115 LA PEQUEÑA PALMERA, 1907

116 BAÑISTAS, 1908

117 VISTA DE SAINTE ADRESSE, 1924

118 CASAS Y CONSTRUCCIONES, PARÍS, TORRE EIFFEL. 1934

119 CORRIDA DE TOROS, 1949

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